El compositor y orquestador colombiano-canadiense Felipe Téllez, egresado del Pregrado en Música de la Universidad de los Andes, recibió el Premio Macondo 2025 a Mejor Música Original otorgado por la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas por su trabajo en Estimados Señores, ópera prima de la directora Patricia Castañeda. El reconocimiento destaca una trayectoria marcada por la hibridación entre lo acústico, lo electrónico y lo folclórico, así como por una sólida investigación sonora que define su práctica artística.

Téllez, quien ha desarrollado una carrera que abarca cine, televisión, videojuegos y música de concierto, ha sido también beneficiario de múltiples apoyos del Toronto Arts Council, Ontario Arts Council y Canada Council for the Arts. Su música ha acompañado largometrajes, estrenos en festivales como TIFF.

Un proceso creativo basado en el timbre y la investigación artística

La creación de la banda sonora de Estimados Señores, Téllez explica que el proceso inició con una sesión de spotting junto a la directora y el equipo de producción, donde se definieron los momentos musicales —y también los silencios— dentro del arco narrativo. A partir de este acuerdo inicial, la composición tomó la forma de una investigación artística centrada en la búsqueda de timbres capaces de representar con honestidad el mundo emocional de la película.

El compositor desarrolló una paleta que integró gaita, tiple y bandola, una orquesta de cuerdas y una capa de sintetizadores contemporáneos. Esta combinación no se utilizó como recurso folclorista, sino como vehículo de cercanía emocional. Para Téllez, la clave estuvo en “descubrir qué colores podían sostener la verdad emocional de la película sin convertirla en una postal regional”.

El trabajo con Patricia Castañeda y el equipo de posproducción de Blond Indian Pictures, se desarrolló en gran parte de manera remota, desde Canadá. La metodología consistió en componer bloques amplios —por actos o segmentos de veinte minutos— para evaluar la música dentro de un contexto narrativo más completo. Este proceso iterativo permitió construir una identidad sonora cohesionada y profundamente ligada al carácter de la película.

La formación en Uniandes: una base para integrar mundos sonoros

Felipe cuenta que su paso por el Pregrado en Música de la Universidad de los Andes fue decisivo para el desarrollo de su voz como compositor para cine. El doble énfasis en composición y producción de audio no solo le brindó herramientas técnicas robustas, sino que le permitió comprender la música desde dos frentes que, aunque a menudo se enseñan por separado, en su caso se integraron desde muy temprano. Esa combinación —el rigor de la escritura musical y el entendimiento profundo del estudio de grabación— se convirtió en la base de su enfoque creativo actual.

“El programa de composición me dio una base teórica sólida: entender cómo construir música, cómo manejar materiales, cómo desarrollar ideas”, explica. Sin embargo, señala que el aspecto más transformador surgió al aplicar ese mismo rigor académico al campo de la tecnología musical. “Empecé a ver el estudio no solo como un lugar donde se registra sonido, sino como un instrumento en sí mismo. Si para los compositores del pasado la orquesta era su ‘laboratorio de experimentación’, para quienes trabajamos hoy el ‘laboratorio contemporáneo’ incluye sintetizadores, procesamiento, edición y mezcla”.

Esa mirada integrada expandió su paleta sonora más allá de las familias instrumentales tradicionales, permitiéndole articular con naturalidad lo acústico, lo electrónico y lo tecnológico dentro de un mismo proyecto. Esta concepción se ve reflejada en Estimados Señores, donde la hibridación entre instrumentos folclóricos, orquesta de cuerdas y capas electrónicas responde tanto a una búsqueda estética como a un criterio formado durante sus años en Uniandes. “La hibridación entre lo folclórico y lo tecnológico que desarrollé no es nueva en sí misma, pero mi manera de abordarla sí está marcada por ese criterio desarrollado en mis años de formación, por profesores que fomentaban la curiosidad y por un ambiente donde era natural mezclar algo que es más ciencia con algo que es más arte”.

Destaca también la fortaleza de los cursos de teoría, armonía y entrenamiento auditivo en Uniandes, los cuales considera fundamentales para el desarrollo de criterio artístico. “En un mundo donde todos acceden a las mismas herramientas tecnológicas, lo que diferencia a un compositor no es el software, sino cómo piensa y cómo decide”, afirma.

En retrospectiva, destaca que lo más determinante fue haberse formado en un espacio que “tomaba la curiosidad en serio” y que alentaba a integrar mundos que en otros contextos permanecen separados. Esa integración, afirma, continúa siendo el fundamento de su práctica como compositor para cine, donde cada obra es un diálogo permanente entre tradición, tecnología, investigación artística y exploración sonora.

Consejos para nuevas generaciones de compositores de música para cine

La formación de un compositor de música para cine exige una mezcla de rigor técnico, sensibilidad estética y apertura intelectual. En esta reflexión se destacan cuatro aprendizajes esenciales.

En primer lugar, se resalta la necesidad de estudiar profundamente la orquesta, no como mandato estilístico sino como herramienta de criterio. “La música orquestal no es sinónimo de música de cine, y la música de cine no tiene por qué ser orquestal”. Una banda sonora debe responder a la identidad de la película, y aplicar un tratamiento orquestal por defecto puede ser contraproducente. Además, “producir una partitura orquestal es costoso”, una realidad que compositores, productores y directores jóvenes deben comprender desde el principio.

También se subraya la importancia del timbre como eje expresivo central. En el lenguaje audiovisual, el color sonoro puede tener un impacto emocional mayor que una línea melódica o armónica prominente. Una pieza construida con un criterio tímbrico sólido puede sostener por sí sola la carga afectiva de una escena.

El tercer aspecto esencial es ampliar el criterio mediante la escucha activa y diversa. “El mayor músculo del compositor es su criterio”. Por ello se recomienda explorar géneros desconocidos y estéticas fuera de la zona de confort, ya que esa amplitud alimenta la intuición creativa y permite tomar decisiones más informadas.

Finalmente, se subraya un principio transversal a toda práctica artística: cultivar la curiosidad. “Por encima de todo, la curiosidad es el motor”, un impulso que sostiene los procesos de exploración y abre caminos inesperados.

Un reconocimiento que impulsa nuevos caminos creativos

El Premio Macondo 2025 representa para Téllez un hito que reafirma su enfoque compositivo y que anticipa nuevos retos. “Este reconocimiento potencia de forma significativa mi voz artística. La expectativa es que abra oportunidades para seguir explorando y mantener viva la curiosidad y continuar atendiendo esa necesidad constante de crear.”, señala.

Mientras continúa componiendo para cine, videojuegos y música de concierto, Téllez también acompaña a compositoras y compositores emergentes en distintos países, consolidando una práctica que articula creación, docencia e investigación.

La producción del último disco de Urpi Barco ganó la residencia del Centro de Investigación y Creación (CIC) que ofrece estancias cortas de creación, poniendo a disposición espacios especializados como talleres, estudios y laboratorios, además de su equipamiento tecnológico. Este proceso cuenta con el acompañamiento de profesores, talleristas y encargados de laboratorio, quienes brindan apoyo durante todo el desarrollo del proyecto. Juan Sebastian Bastos, profesor de producción musical del Departamento de Música, fue el encargado de la grabación, mezcla  y co producción del disco.

El disco, titulado Jazz vocal colombiano: nuevas músicas colombianas, es la cuarta producción de Urpi Barco. Esta obra fusiona ritmos tradicionales colombianos y latinoamericanos con elementos del jazz, la exploración vocal y paisajes sonoros. El proyecto busca enriquecer el repertorio original del jazz vocal colombiano, resaltando el papel de las mujeres músicas y fortaleciendo su presencia en el ámbito artístico y académico.

Esta producción musical reúne nueve composiciones que narran historias relacionadas con temas de género y abordan cuestiones sensibles como la violencia estética, el trabajo infantil, la ecología y el cuidado del agua. Asimismo, invita a la conexión con el ser en tiempos de gran velocidad y muestra un interés particular en investigar lenguas indígenas como el muisca y el quichua. El proceso creativo se basa en una profunda investigación contextual, literaria y musical, con composiciones inspiradas en géneros tradicionales como el bullerengue, la cumbia y el currulao. Todos estos ritmos se entrelazan con el jazz mediante la construcción armónica, la exploración vocal, la improvisación y los arreglos musicales propuestos.

Las residencias artísticas del CIC generan un espacio de encuentro entre la comunidad académica de la facultad y artistas profesionales, permitiendo a los estudiantes un acercamiento al mundo profesional. Esto les brinda la oportunidad de realizar prácticas que fortalecen sus habilidades profesionales, enriquecen su experiencia en el ámbito creativo y crean rede de contactos para futuros trabajos.

La producción musical tiene tanto que ver con los contextos y las personas como con los equipos y el sonido. Para el productor ganador de una Latin Grammy, Juancho Valencia, hay que aprender de gestión y relacionamiento, pero sobre todo, hay que recorrer el país y hacer valer el concepto de diversidad que tanto usamos.

Juancho Valencia, unos de los productores y compositores más importantes de Colombia, ofreció la conferencia “Producción musical, la música con todos los juguetes” durante la cuarta Semana de la Producción Musical en la Universidad de los Andes.

Escuche la entrevista completa y entérese, además, de los próximos proyectos de Juancho Valencia.

Siga en Instagram a Juancho Valencia, a su productora Merlín Producciones y al grupo musical Puerto Candelaria.

Por: María Alejandra Castro

Para el investigador posdoctoral Ons Barnat las experiencias inmersivas aplicadas a la música hacen parte de una evolución lógica de las tecnologías del sonido. Pensando que desde el fonograma hasta las últimas herramientas de experiencias 360 la música cambia, Barnat quiere entender cómo se pueden conservar las músicas tradicionales “El estudio de grabación ha permitido a una tradición no desaparecer sino transformarse”, asegura.

Junto con el profesor del Departamento de Música Juan Sebastián Bastos, Barnat ofreció una conferencia acerca de la experiencia de grabar música con el Garifuna Collective en los Andes con tecnología que permite interactuar con cada sonido de forma independiente. El evento hizo parte de la cuarta Semana de la Producción Musical de la Facultad de Artes y Humanidades.

Escuche la entrevista completa con Ons Barnat para saber más sobre esta grabación y la música inmersiva.

Por: María Alejandra Castro