¿Podríamos entender la historia de la humanidad desde una paleta de colores? Así como la escritura y la imagen nos ayudan a entender el desarrollo del pensamiento humano, los colores nos ayudan a entender la relación que hemos tenido con aquello que nos rodea. Pues los pigmentos son un extracto natural que deja huella, y a lo largo de la historia se han descubierto más y más colores, cómo funcionan química y físicamente.

El desarrollo de la técnología, más específicamente la computación, ha permitido que al día de hoy se pueda producir cualquier color del espectro en cualquier parte del mundo. Es decir, nos permite el acceso a una paleta de colores universal, en la que inclusive podemos hablar de infrarojos, ultravioletas y holográficos.

Paleta es una reflexión material y visual en torno a ese aspecto de identitario de los colores robóticos, idiricentes, holográficos generado por la aldea global de la conectividad y el desarrollo insdustrial. Estos muchas veces se usaron para decorar fiestas, cuadernos, adornos. Colores que sirven para llamar la atención y son usados por el mercadeo y la publicidad, pues saben que nos gustan.

María Isabel Vargas es esgresada de la Maestría en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo (MAPET) y profesora de cátedra en el área de pintura en el Departamento de Arte de la Universidad de los Andes.

Texto curatorial

María Isabel Vargas se interesa por estudiar la relación entre la tecnología y la producción pictórica. Para esto, desde un ejercicio sociológico repiensa la Historia del Arte a partir la incidencia de distintos instrumentos que han determinado las prácticas de muchos pintores. Por ejemplo: la cámara oscura, el daguerrotipo, la fotografía y el cine; son herramientas que han ampliado nuestra realidad y por ende han dado paso a nuevas formas de producción artística. Para esta exposición Vargas se pregunta por la experiencia contemplativa de la pintura en un mundo mediado por herramientas tecnológicas virtuales. Vale la pena recordar que la palabra virtual proviene del latín virtus que refiere al poder, o la facultad de algo; en este caso, algo que tiene una existencia aparente pero no real y que generalmente se encuentra a través de internet.

El color también ha sido estudiado como parte de las invenciones que han dado paso a distintas exploraciones formales, por esto, generalmente se reconoce a los grandes maestros de la Historia del Arte: por su paleta. Es decir, por las tonalidades de color a partir de las cuales los artistas componen sus obras. Inspirada en lo anterior, Vargas explora el color holográfico como una paleta que surgió de las gamas neón usadas entre las décadas de los ochenta y noventa en la publicidad y la moda. Para la artista estos matices evocan la estética de una generación que se reflejó en accesorios, ropa y juguetes. Hoy, esa misma gama es usada tanto en la moda como en plantillas, efectos y filtros de redes sociales.

Los colores degradados sobre el lienzo, las pinceladas, puntos e intervenciones del color holográfico materializan lo virtual en una producción análoga. De alguna manera la artista convierte lo aparente en algo real en tanto que rasga, pega, imprime y deja a la vista los gestos que conforman la pintura. En este sentido,
este objeto-pintura plasma las manifestaciones visuales artificiales a las que estamos habituados creando un mundo de posibilidades de producción desde estas nuevas técnicas. Lo que abre un espacio para cuestionarse: ¿hay una experiencia estética distinta por la presencia objetual del color a la que estamos familiarizados en otros medios?, ¿cómo se entiende la contemplación en la cultura contemporánea donde se incita a la rapidez y lo efímero?, ¿pueden cambiar las experiencias con las obras en tanto que el sujeto contemplativo tenga una relación cercana o lejana con lo digital?, ¿cuáles son los puntos de encuentro entre las imágenes virtuales, cada vez más palpables, y lo real o la presencia física?

Luciana Rizo

Fotografía: Galería Nueveochenta

Por: Alexander Rodríguez

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AMERICANA

 

1.

Pareciera que cierta especie de capitalismo, nacido en la década de 1990, está fundado bajo una trilogía de estrategias dirigidas al consumidor. Estas son: obsolescencia programada, personalización en masa y la construcción por módulos.

Aunque esta forma de consumo cambió, mutó y se adaptó, hoy en día hay lugares donde se encuentran sus detritos. El Salvation Army y las Goodwill stores son ejemplos clásicos de grupos o entidades que intentan rescatar lo obsoleto, lo usado, lo personalizado y lo abandonado, pero todavía útil.

El consumo causa detrimento. Está estimado que un producto nuevo al salir de la tienda, justo después de que alguien paga su precio completo, pierde entre el 50 y 60 por ciento de su valor original.

En Bogotá existe un rescoldo del boom del consumo y del sueño americano. Una especie de pasado perpetuo se encuentra ubicado entre la calle cuarenta nueve y la calle cincuenta y pico. Modas perdidas y tendencias recicladas aparecen en vitrinas polvorientas. Allí, una serie de tiendas venden ropa importada pero USAda (nombre muy creativo).

Susana nació en Bogotá (1992) y vivió un tiempo en Rhode Island. Yo nunca he ido allá. Aunque a ella la imagino caminado al lado de una avenida de dos carriles, pensando en el obsoleto sueño americano. Pensando en cómo despersonalizar con destreza y modular en contravía una serie de objetos y cosas que ya nadie quiere.

2.

En 1890, Florentino Armeghino formuló la teoría del Hommus Pampeanus. Según la cual, América es la cuna de la humanidad. La teoría está bastante bien sostenida, sólo hace falta encontrar un hueso para que sea correcta.

No obstante, hay un tipo de Hommus y Feminus Americanus realmente autóctono. Los que cambiaron la caza y la recolección por el consumo. Los que evolucionaron hasta ser consumibles: cada dato, cada información, cada aspecto de su vida se volvió materia prima.

El arte de Susana pareciera ocuparse de los restos dejados por estos homínidos y homínidas. Uniendo a unos objetos con otros como si fueran modulares, los destruye. Mejor, ella los reconstruye mediante el uso de estuco, papel, plástilina foami, mármol impreso, papel contact imitación madera, piedra pomez, entre otros. Algunos de estos materiales, originalmente fueron diseñados para dotar de un falso lujo a objetos y superficies. Unos intentos fallidos de generar un halo de autenticidad, los cuales Susana altera a su antojo.

A primera vista las obras parecieran estar cargadas de cierto primitivismo. El cual hace pensar en qué hablar de un tipo de arqueología fantástica sería una gran idea. No obstante, sus esculturas están es simulando objetos reconocibles pero aparentes. Dejando a un lado el hiperrealismo, pero creando una falsa ilusión de utilidad.

3.

No sé si Susana sea una Feminus Americanus.

 

Nicolás Barrera

Entrar a este espacio es confuso. El olor a eso que pretende oler a nuevo. Un espacio lleno pero no tan lleno. Objetos de un lado al otro de la sala que buscan llamar la atención y sin embargo destacan por su serenidad visual. Entrar a la Sala de Proyectos para ver la exposición americana resulta muy familiar, pues hace referencia a esas tiendas gringas planas y llenas de cosas, de esas que cada vez hay más en el lado latino del continente.

Americana es una reflexión acerca de esos objetos de deseo que siempre hemos querido tener solo por tener. Objetos con promesas escondidas, comodidad, gusto, estatus y, por supuesto, olor a nuevo. Desde referencias a muebles de área social hasta utencilios de la cocina. La artista genera un dialogo entre el diseño de alta con esos objetos que son iguales pero por alguna razón llegan a tiendas accesibles para el consumidor de a pie.

Susana Oliveros es egresada de los programas de Arte e Historia del Arte de la Universidad de los Andes y del MFA de Rhode Island School of Design.

«Los electrodomésticos están hechos como carcasas vacías, cómo las superficies y los acabados de las cosas están hechas a partir de capas y stickers que aluden al deseo de un espacio con olor a brisa del mar y manzana canela. El diseño circula, se traduce y transforma y las tiendas nos aseguran accesibilidad al ofrecer más y más productos que imitan a otros por la mitad del precio. Tugó, IKEA y el ideal de la cocina americana sigue siendo la utopía del espacio funcional, cálido, natural y acogedor. La modularidad, las «aperturas lógicas» de los muebles y los artefactos que se esconden y camuflan. La idea de que todo siempre puede ser más fácil, mejor y más barato».

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Por: Alexander Rodríguez

Temporal es una reflexión sobre la figura del camping, una práctica entre lo deportivo y lo turístico adoptada probablemente del primer mundo. Esta dinámica implica reflexionar en torno a la idea de la vida nómada, jugar a la libertad y a conocer la naturaleza.

La otra cara de la moneda son los asentamientos temporales creados al rededor de todo el mundo para personas que de verdad no tienen dónde vivir. Personas desalojadas de sus casas, de sus comunidades o que se vieron obligadas a salir de sus países buscando la seguridad que perdieron.

La carpa entonces, se presenta como una imagen iconográfica que reflexiona acerca de grandes dicotomías del siglo XXI. Productividad versus ocio, turismo versus migración, etc.

La exposición Temporal fue una muestra del profesor del Departamento de Arte Juan Mejía en SN macarena durante octubre y noviembre del 2021. Recoge reflexiones y trabajo del artista durante el encierro obligatorio causado por la crisis del covid-19.

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