Habitografías / Encuentro es un proyecto experimental que se desarrolló en la residencia de animación del Centro de Investigación y Creación (CIC). Consiste en una videoinstalación que, a través del micro video mapping, proyecta la trayectoria de dos personajes hasta su encuentro en un espacio urbano abstracto, utilizando como superficie un intaglio horizontal. Este trabajo explora tanto las relaciones afectivas como morales que marcan el encuentro, con momentos de armonía y conflicto.

La obra utiliza diversas técnicas artísticas como el dibujo animado análogo (grafito, carboncillo, tinta), el intaglio (grabado en relieve sin tinta), la composición digital y el micro video mapping. A partir de la combinación de estos medios, se genera una imagen que mezcla lo tangible y lo proyectado, creando una experiencia estética que conecta el presente con los recuerdos y las posibilidades de la existencia.

“En términos artísticos, nos interesa explorar la comunión entre dos tipos de imagen –dibujo animado e intaglio–, cuya convergencia se hace posible por tecnologías del video mapping. En el video mapping cualquier superficie es una pantalla, soporte y contenedor de la imagen proyectada. En el caso de nuestra obra, dicho soporte es el intaglio, que por sus dimensiones pareciera habilitar una proyección de micro cine, que se suma a la invitación que hace el cine expandido de ver películas de otro modo.” Comentan los creadores del proyecto.

Este proyecto es una colaboración entre Mónica Bravo, comunicadora social y maestra en Dirección de Cine por The London Film School y Miguel Bohórquez, profesor del Departamento de Diseño de la Universidad del Valle y doctor en Diseño por la Universidad de Buenos Aires. Ambos han trabajado en coautoría desde 2015, con obras como Habitografía II y Drawvideo, seleccionadas en festivales internacionales como Bogoshorts, el Festival Internacional de la Imagen y LALIFF.

Entre los proyectos recientes de Bohórquez y Bravo destaca Habitografías instalación audiovisual, seleccionado en la categoría de Exhibiciones en el Festival Internacional de la Imagen 2024, como parte de su serie continuada sobre la temática del encuentro.

La residencia del CIC resultó fundamental para el desarrollo del proyecto, ofreciendo un espacio de intercambio creativo y estético lejos del entorno cotidiano de los artistas. Como menciona Bohórquez: «Conocer los talleres de la facultad y sus estaciones de animación es estimulante para repensar nuestros propios espacios de trabajo.» Este espacio ha permitido a los artistas explorar nuevas técnicas y enfoques, resultando en una obra que combina lo tangible y lo proyectado de manera innovadora.

El proyecto Habitografías / Encuentro se caracteriza por su enfoque en la colaboración y la experimentación. Durante la residencia, los artistas trabajaron juntos en el mismo papel, animando al mismo tiempo, lo que permitió una comunión única en el proceso creativo. Esta técnica, denominada “dibujo dialógico animado”, se ha convertido en uno de los hallazgos más potentes del proyecto.

El CIC busca abrir la Facultad de Artes y Humanidades a la comunidad de creadores, facilitando estancias de creación que permiten el uso de sus talleres, estudios y laboratorios, además de acceso a tecnología especializada. El uso de Dragon Frame ha sido crucial para el desarrollo del dibujo dialógico animado, permitiendo a los artistas ver los resultados de su trabajo de manera inmediata y eficaz. Esta herramienta ha facilitado la creación de un dibujo más fluido y suelto, permitiendo a los artistas acoger y disfrutar los errores que surgen durante el proceso creativo.

Colombia como parte del continente americano, ha absorbido elementos de diversas culturas europeas, conformando una mezcla de éstas en simbiosis con la presencia y desarrollo de culturas originarias del territorio. Una mirada a través de la historia de la música en Colombia nos permite reconocer cómo fuimos importando la tradición musical europea durante el período de la colonización española y posteriormente, durante toda la fase republicana junto con los aportes de los inmigrantes de otros países europeos, se fueron conformando nuestras propias expresiones.

Aunque en la actualidad existe la preocupación en los programas de estudios musicales por contribuir a formar una identidad colombiana, que se manifiesta en la inclusión de algunas asignaturas relacionadas con este tema, es necesario ampliar el repertorio utilizado y explorar nuevas obras que evoquen otras regiones del país distintas a la región andina. Una revisión general del repertorio escrito para piano nos permite ver que, en su mayoría, toma elementos de géneros como el bambuco y el pasillo (obras de Calvo y Mejía) con más frecuencia que, por ejemplo, el currulao y el porro presente en algunas obras mas recientes (Noguera y Cardona). Se requiere obtener una educación teórica y estética diversa que surja de la producción de los compositores, para que posteriormente puedan apropiarla los intérpretes.

El trabajo de Catalina Roldán, profesora de la cátedra de piano del Departamento de Música de la Universidad de los Andes, pretende contribuir a este fin interpretando las creaciones de compositores que han encontrado como inspiración las músicas propias de las regiones caribe y pacifica mostrando mayor diversidad de géneros frente a los mas frecuentemente utilizados hasta la primera mitad del siglo XX. Entre los elementos nacionales presentes en la música más reciente escrita para piano podemos constatar cómo la nueva producción ha tomado más en cuenta los sonidos de las costas, también presentes en las nuevas obras de compositores de éstas regiones del país.

Vale la pena resaltar que Roldán presentó este trabajo en la franja de recitales ‘Concierto del mediodía’ el pasado jueves 22 de septiembre de 2022 en la sala de música Ernesto Martin interpretando las obras de Nicolás Cristancho, Giovanni Caldas, Julio Reyes, Daniel Taborda, Juan Guillermo Villareal y Daniel Vega.

Catalina Roldán Quintero nació en Bogotá e inició sus estudios musicales con su madre Bertha Quintero y los continúo con la profesora Patricia Díaz. Se vinculó al Programa Infantil y Juvenil del Departamento de Música de la Universidad Javeriana y posteriormente a la Carrera de Estudios Musicales donde finalizó sus estudios de pregrado bajo la guía de la maestra Radostina Petkova. Aceptada para realizar un curso de postgrado en la cátedra del maestro Fernando Puchol en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y galardonada con la beca “Carolina Oramas” y “Colegio Mayor Miguel Antonio Caro” del Icetex, Gobierno Colombiano, se trasladó a España.

Obtuvo su Doctorado en Música por la Universidad de Barcelona y realizó un curso de postgrado con el maestro Tensy Kristman en el Conservatorio Superior de Música del Liceu. También ha recibido cursos de perfeccionamiento con Olga Shiskina, Anatoli Povzum, Dolores Novas y Antonio Carbonell. Ha realizado conciertos como solista y miembro de grupos de cámara en varias salas de Bogotá. Se ha desempeñado como pianista acompañante, profesora e Investigadora, en diferentes instituciones en Bogotá, como la Universidad Javeriana, Universidad de los Andes, Universidad Distrital y la Universidad Central.

Bambuco Circular – Nicolás Cristancho

El ‘bambuco’ viejo fusiona elementos sonoros del bambuco andino caucano y del currulao, donde la marimba marca el pulso del ritmo. El currulao, original de la costa pacífica, nació al interior de las etnias negras de la región, cuyo tiempo rítmico es marcado por los instrumentos melódicos como la marimba, o el clarinete, en compás binario de 6/8, y su parte rítmica en figuración ternaria. La palabra currulao hace alusión a la palabra «Cununao», que hace referencia a los tambores de origen africano.

Estudio Meniao – Giovanni Caldas

‘El currulao’ se puede interpretar por ‘conjuntos de marimba’, compuestos por marimba de chonta, cununos macho y hembra, guasá y bombo, o en ‘conjuntos de chirimía’, con tambores, clarinete, saxofón y bombardino redoblante, y platillos.

Bambuco – Julio Reyes

El bambuco como género andino, es originario del interior del país, producto también del mestizaje entre ritmos europeos venidos principalmente de España y la música indígena con influencias africanas.

Nació en el departamento del Cauca, con desarrollos en Antioquia, Boyacá, Cundinamarca, Huila, Nariño, Santander del sur y norte, Risaralda y Tolima, y traspasó fronteras llegando a Perú, Ecuador y México.

Su formato está basado cuando es instrumental por un ensamble de cuerdas pulsadas y su ritmo se puede escribir en una métrica de 3/4 o de 6/8, donde lo importante no es tanto la métrica como tal, sino saber dónde van ubicados los acentos y donde está ubicado el cambio armónico.

Estudio 1 sobre cumbión – Nicolás Cristancho

De la cumbia se desprenden gran parte de los ritmos del Caribe colombiano con una misma estructura rítmica básica como el bullerengue, el chande, la tambora, el Cumbión, los porros, entre otros, con varias modalidades de acuerdo a la región que la interpreta. El Cumbión, como hijo de la Cumbia, mantiene todas sus características en su estructura musical pero se toca en un tiempo más acelerado, donde algunos instrumentos tienen mayor libertad de improvisación principalmente los tambores y vientos y se introduce el timbal.

«Esta pieza está inspirada en la Gnossiene n.1 del compositor francés Eric Satie«

Toccata Fandeangueada – Daniel Taborda

Tocata (del italiano toccata, para tocar) es una pieza de la música renacentista y música barroca para instrumentos de tecla, como el clave o el órgano, normalmente con una forma libre que en general enfatiza la destreza del intérprete.

El fandango tiene semejanza con los bailes populares de varias regiones de España y fue apareciendo paralelamente con los festejos de las fiestas patronales. El fandango y las seguidillas fueron lentamente asimiladas y transformadas por indígenas y africanos.

El fandango colombiano surgió en los asentamientos africanos de los pueblos de la bahía de Cartagena y poblaciones del departamento de Bolívar en San Basilio de Palenque, San Pablo, María La Baja, Mahates y San Cayetano.

Arreglo de María Rosita de Rocío Acosta – Juan Guillermo Villareal

El porro es la música tradicional de zonas del Río Sinú y de los departamentos de Córdoba, Bolívar y Sucre. Como fusión de ritmos que se desprenden de la cumbia: un género binario, en tempo moderado y con acentuación del contratiempo. Interpretado inicialmente con instrumentos indígenas, gaitas y flautas, tambores africanos, coros y palmas, se escucha desde el siglo XVII.

Son Antillas – Daniel Vega

El son montuno es un género musical creado en Cuba como producto de la fusión de diferentes culturas africanas con elementos de la cultura hispánica. Nació en las zonas montañosas en la Sierra Maestra, de la isla, a finales del siglo XIX.

Interpretado inicialmente por voces, cuerdas, el tres, la guitarra y percusión menor, al asentarse en los centros urbanos introdujo elementos estructurales de la música europea, añadiendo la trompeta, guitarra la conga y el piano.

Su estructura musical se basa en la repetición de un estribillo de cuatro compases cantado por un coro denominado montuno o estribillo, donde la voz principal improvisa, y la percusión desarrolla polirritmia fundamentado en la acentuación de la síncopa.

Ganadora convocatoria: Eliana Echeverry

Publicación de resultados: lunes 24 de abril de 2023

Convocatoria para compositoras colombianas

Convocatoria abierta para compositoras colombianas radicadas en Colombia o en el exterior.

Se realizará la comisión de una (1) obra de aproximadamente 25 o 30 minutos sobre un texto ya escogido.

Formato

Voz (mezzosoprano) y guitarra

Requisitos

Convocatoria para compositoras colombianas radicadas en Colombia o en el exterior.

Convocatoria dirigida a todas las personas que se identifiquen como mujeres.

Debe tener cuenta bancaria a nombre propio en Colombia (sin excepción).

Fechas

Recepción de documentos hasta el viernes 17 de marzo de 2023 hasta las 5:00 p.m.

Publicación de resultado: lunes 3 de abril de 2023*

*Debido a la cantidad de aplicaciones, los resultados se conocerán el lunes 24 de abril de 2023.

Ganadora convocatoria: Eliana Echeverry

Presupuesto

$12.000.000 COP

Entre septiembre y noviembre tuvimos cuatro nombramientos en la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes. Tania Tapia ahora es editora de 070, Alejandra Cruz pasó a ser asistente administrativa para los departamentos de Humanidades y Literatura e Historia del Arte, Sair Nolasco asume el puesto de asistente administrativo del CIC y Santiago Prada es el nuevo coordinador de la Orquesta de Los Andes.

Desde el 1 de febrero de 2021, Andrea Lozano-Vásquez asumirá la Vicedecanatura de Investigación y Creación de la Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes.

 

La nueva Vicedecanatura une a la Escuela de Posgrados y al Centro de Investigación y Creación de la Facultad.

 

Como explica Patricia Zalamea, decana de la Facultad, la inauguración de la Vicedecanatura es “una forma clara de seguir fortaleciendo y visibilizando la Facultad en varios frentes de la Universidad y se materializa, en parte, gracias al punto al que hemos llegado en nuestra historia y nuestros resultados consistentes en posgrados e investigación/creación”.

 

La vicedecana Lozano-Vásquez, quien desde julio de 2020 era la directora de la Escuela de Posgrados, es doctora en Filosofía de la Universidad Nacional Autónoma de México y magíster en Filosofía de la Universidad Nacional de Colombia. Es una de las fundadoras del grupo de estudios en filosofía antigua y medieval de la Universidad Nacional de Colombia Peiras y creadora principal de la Maestría en Estudios Clásicos que nuestra Facultad inauguró en agosto de 2020. Es profesora asociada del Departamento de Humanidades y Literatura desde 2009, el cual, además, dirigió entre el 2015 y el 2019.

 

“No tengo duda de que, gracias a su perspectiva interdisciplinaria, su conocimiento de la Facultad y de la Universidad, y de todos los procesos relacionados con los posgrados, así como la combinación de un rigor intelectual con la reflexividad y claridad que la caracteriza, es la persona idónea para este cargo en estos momentos”, afirma la profesora Zalamea.

 

La unificación del Centro de Investigación y Creación, CIC, y la Escuela de Posgrados se da gracias a la situación favorable en cuanto al aumento, en cantidad y rigor, de las actividades académicas y creativas en la Facultad de Artes y Humanidades. La Facultad agradece inmensamente al profesor David Solodkow, quien dirigió el CIC entre 2015 y 2020 y lo convirtió en uno de los líderes en apoyo, valoración y divulgación de las artes y las humanidades en Colombia.

Cinco años del CIC, Centro de Investigación y Creación, Facartes: agradecimiento a David Solodkow

 

La nueva Vicedecanatura se concibió con el objetivo de aprovechar las múltiples conexiones inherentes a nuestras maestrías y doctorado con la investigación y la creación. De igual manera, favorece una mayor sinergia entre equipos de trabajo que comparten objetivos similares en cuanto a la generación de conocimiento, así como el apoyo a laboratorios y semilleros transversales de la Facultad, tales como el Laboratorio Digital; el Banco de Archivos Digitales de Artes en Colombia, Badac; el Laboratorio de Estudios en Artes y Patrimonio, LEAP y el Laboratorio de Artes y Transformación Social.

La convicción de que la creación, a la par de la investigación, crea conocimiento y formas de interpretar e intervenir en la sociedad se ha consolidado en los cinco años de vida del Centro de investigación y creación, CIC, de la Facultad de Artes y Humanidades en Los Andes.

 

La Facultad ofrece un inmenso agradecimiento por la gestión para cristalizar esa convicción en financiación de proyectos, divulgación extensa y establecimiento de redes dentro y fuera de la Universidad al profesor David Mauricio Adriano Solodkow, quien dirigió el Centro desde su fundación en 2015 hasta el 31 de enero de 2021.

El Centro de Investigación y Creación es heredero del Comité de promoción de investigaciones que nació en 1997 bajo la decanatura de Claudia Montilla.  Por medio de este Comité, que en 1999 se convirtió en el Comité de Investigación y Creación, la Facultad comenzó a organizar y regular las actividades relacionadas con la investigación y la creación de sus profesores.

Para 2014, el Comité contaba entre sus logros el establecimiento de políticas de gasto, de criterios de valoración de proyectos y de reglamentos para la presentación y publicación de propuestas. Además, había sido el interlocutor principal frente a la Vicerrectoría de Investigaciones de la Universidad para equiparar en importancia la dedicación de los profesores a la investigación y a la creación (en 2019 esta instancia de Los Andes pasó a llamarse Vicerrectoría de Investigación y Creación).

El profesor Solodkow asume la coordinación en ese año, 2014, y consigue la transformación del Comité en el Centro de Investigación y Creación en 2015 con la aprobación del Consejo Académico. La misión del Centro no solo se orienta a apoyar la excelencia en la producción de conocimiento, sino a consolidarse como “líder en la investigación y creación que construya redes académicas a nivel nacional e internacional y que contribuya de manera significativa al debate público sobre la función y la responsabilidad de las Humanidades en el desarrollo social del país”.

En los cinco años de funcionamiento del Centro a cargo de David Solodkow, el CIC ha otorgado más de 550 millones de pesos a los proyectos de investigación y creación de la Facultad por medio de una variedad de convocatorias que ahora también incluye fomento a la creación de algunos estudiantes.

El CIC comenzó a participar en los debates sobre investigación y creación a nivel nacional fortaleciendo alianzas con asociaciones y universidades nacionales e internacionales, particularmente Acofartes y Asocolfhcs. Ha organizado 213 eventos, incluyendo los de seis versiones de la Semana de las artes y las humanidades, que favorecen esas alianzas y también divulgan el conocimiento producido en la Facultad. Instauró la publicación de la Gaceta CIC, que ofrece los detalles de la gestión anualmente. Junto con la Escuela de Posgrados creó el Comité de Ética de la Facultad (PEPIC) y también construyó un diálogo con el Estado a través del Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación.

David Solodkow es profesor asociado del Departamento Humanidades y Literatura, al que seguirá aportando como docente e investigador.

Vea la Clase abierta «Biopolítica: el arte de ‘hacer vivir’ y (no) ‘dejar morir'» por David Solodkow.

La Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes agradece al profesor Solodkow por su liderazgo lúcido, esforzado y fructífero y lo acompaña en sus siguientes proyectos.

La Gaceta CIC Covid-19 número 6 resume la actividad de la producción artística y académica de nuestra Facultad durante el 2020. Léala aquí:

Aunque “la cubierta negra de nuestra Gaceta CIC #6 implica un profundo luto y pesar por este 2020”, como escribe David Solodkow, director de nuestro Centro de investigación y creación CIC, la publicación demuestra que las dificultades no paralizaron la reflexión, la producción ni la circulación en la Facultad de Artes y Humanidades.

Como todos los años, la Gaceta CIC 2020 presenta los proyectos nuevos y en curso del Fondo de Apoyo a Profesores Asociados, los ganadores de las convocatorias de las bolsas de investigación y un recorrido detallado de los esfuerzos del CIC para aportar con mejores herramientas a la integración de la Facultad a los circuitos académicos y artísticos del país.

Este año la publicación del CIC destaca tres esfuerzos de creación de nuestra comunidad en pandemia: las publicaciones de Cerosetenta a lo largo del año, la creación del Grupo de estudios del Japón con el lanzamiento de su revista Kōbai y el trabajo del Laboratorio experimental desde las Humanidades Digitales para la investigación/creación.

Dos semanas de nuestras Clases abiertas de Artes y Humanidades en 2020 estuvieron dedicadas a estos y otros proyectos auspiciados por el Centro de investigación y creación de la Facartes.

¿Por qué el teatro es uno de los mejores vehículos para entender las partes más traumáticas de nuestro pasado como sociedad? Paola Acosta, ganadora de la beca de investigación de arte dramático de Idartes en 2018, nos ayuda a encontrar la respuesta a través de su ponencia Aportes del arte dramático a la Política del recuerdo, a partir del análisis de tres dramaturgias contemporáneas. En ella analiza las obras Donde se descomponen las colas de los burros de Carolina Vivas, Arimbato, el camino del árbol de Felipe Vergara y Río arriba, río abajo: Antígona en el puente cantando de Jesús Domínguez, con el fin de entender las dramaturgias como lugares de la memoria. Acosta visitó la Universidad de los Andes en el marco de la Semana de las Artes. Escuche esta entrevista con la autora.

Paola Acosta presentará el libro de su investigación en la Feria del Libro de Bogotá 2019. Vea aquí su invitación.

Por: María Alejandra Castro

El impulso que el gobierno nacional quiere darle a la economía creativa supone tantos retos como oportunidades. La Universidad, como formadora, como núcleo de investigación, como productora de contenido creativo y como circuladora, debe estar en el centro de la discusión para enfrentar y hacer una crítica académica de los retos.

El workshop Economías creativas, industrias culturales y ley naranja. Desafíos futuros y complejidades presentes se ofreció el 27 de febrero en el marco de la Semana de las Artes de la Universidad de los Andes para iniciar esa conversación desde el ámbito académico.

La sesión se inauguró con la ponencia de William Otero, asesor de asunto económicos y estratégicos de la Presidencia de la República y la de Nelson Cubides, concejal de Bogotá. Explicaron la procedencia de la economía naranja, el contexto en el que se promueve hoy y las oportunidades de financiación, empleo, educación y emprendimiento que se contemplan en su desarrollo. Vea aquí las ponencias.

Tres mesas

El corazón de la jornada fue la discusión en panel de los tres temas propuestos. Estas son las preguntas y las conclusiones principales de cada grupo:

Panel 1: calidad, pertinencia y valor simbólico de la producción cultural artística, moderado por David Solodkow (Uniandes) y Ómar Rincón (Uniandes).

• ¿Quién define la calidad de los productos artísticos? Si lo deseable es definir unos criterios de calidad, ¿a quién están dirigidos?
• La calidad de los productos artísticos está asociada con la formación de públicos. ¿Significa eso que el público determina la calidad?
• Es necesario producir matrices específicas para definir los criterios de calidad, pero lo más importante es que se propongan desde el área de producción artística y con la diversidad como concepto fundamental (si se tiene en mente la cantidad enorme de expresiones y valores para la creación que existen en Colombia).
• Los colectivos, asociaciones y gremios deben intervenir en políticas públicas, ser portavoces frente al Estado.
• ¿Significa esta propuesta de economías creativas que puede crearse una brecha entre la producción artística con valor mercantil y la que no tiene valor económico?
• ¿En qué posición quedan las comunidades en la cadena de valor de la producción artística?

Vea aquí apartes de lo discutido en este panel:

Panel 2: culturas locales (regiones) y contextos globales, moderado por Carolina Gómez (Universidad Javeriana) y Héctor Bonilla (Acofartes). 

• La circulación de los productos artísticos es un tema de discusión necesaria para entender las diferencias entre contextos locales y globales.
• La circulación se entiende como la movilidad que permite mostrar el producto artístico. Todavía se piensa en formatos tradicionales. ¿Qué pasa con lo digital?
• Hay una paradoja que surge del análisis de los escenarios locales de la circulación artística: la producción artística interna circula mejor en el exterior que a nivel nacional.
• ¿Cómo se entiende la circulación? ¿Solo como un proceso de intermediación?
• Hasta ahora se ha entendido que el Estado es el ente que debe garantizar la circulación local con recursos, espacios e infraestructura.
• Es probable que los recursos destinados a las economías creativas se concentren en las ciudades. Se crea una tensión porque la mayor parte de capital identitario, base de la producción artística, se encuentra en las regiones.
• Es muy común que el artista asuma un papel pasivo o ausente en las cadenas de circulación.

Vea aquí apartes de lo discutido en este panel:

Panel 3: el papel de las universidades en la articulación de las artes con el mercado y el entorno cultural, moderado por Óscar Hernández (Universidad Javeriana) y Juan Francisco Ortega (Uniandes). 

• Los roles de formar artistas y de desarrollar investigación son roles obvios de la universidad en el contexto de las economías creativas. Los roles que no son tan evidentes son los de la universidad como creadora de contenidos y como facilitadora de la circulación.
• Los contenidos producidos dentro de las universidades tienen una ventaja única: conllevan reflexión académica y se producen en un espacio que incentiva la experimentación.
• Las universidad no tienen una comunicación fluída entre ellas en temas de producción y circulación de producción artística.
• ¿Cómo conciliar la velocidad de la industria con la velocidad de la universidad?
• Gracias a la experiencia, los profesores deberían poder convertirse en puentes entre jóvenes creadores y la industria.

Vea aquí apartes de lo discutido en este panel:

Con la intención de hacer una pieza de historia pública digital, la profesora del Centro de Estudios de Periodismo, Sandra Sánchez, creó y puso en línea la primera narrativa/reflexión/repositorio sobre las publicaciones periódicas hechas por mujeres entre los años 40 y los 70 del siglo XX. Se llama “Mujeres de prensa” y es el primer producto del proyecto Pasado Impreso.

La publicación de esta pieza contribuye al estudio histórico y la visualización de la presencia femenina en la esfera pública. Sin embargo, la victoria del proyecto, para la profesora Sánchez, es otra. Este proyecto le ha permitido, en sus palabras, “salir de la abstracción de la academia” para entender las maneras en que las personas por fuera de la Universidad se ven a sí mismas en esta historia del mundo escrito. Así es como “Mujeres de prensa” se convierte en una pieza de historia pública.

 

La pieza digital

“Mujeres de prensa”, para la profesora Sánchez, “es varias cosas”. Primero, hace una reflexión académica rigurosa de la cultura impresa y del contexto social y político que envuelve la producción periodística de las mujeres durante la segunda mitad del siglo XX. Lo hace a través de una colección de ensayos o “escenas textuales” que, puestas en un formato digital, conforman una narrativa. Esa es la segunda definición de “mujeres de prensa”: una forma de contar y entender a las mujeres de prensa que está organizada en categorías pero también se desenvuelve de acuerdo a la forma en que cada usuario navega el sitio web. Finalmente, este proyecto también se puede definir como un repositorio gracias a los enlaces y reseñas de las fuentes primarias, es decir, las revistas. Hablamos de publicaciones como Mujer y Mundo femenino.

Aquí Sandra Sánchez explica las tres capas con las que pensó “Mujeres de prensa”:

Salir de la abstracción de la academia

Gracias a la colaboración de Biblored, la profesora Sánchez ofreció dos talleres en noviembre de 2018, uno en la Biblioteca Pública Usaquén-Servitá y otro en la Biblioteca Pública Virgilio Barco, para los que llevó algunas de las fuentes primarias que componen “Mujeres de prensa” a mujeres de las comunidades locales de cada biblioteca.

Particularmente, en el encuentro de Servitá, el público que asistía al taller sobre periodismo femenino era el mismo que hace parte del programa de alfabetización de la biblioteca: el público se componía en gran parte de mujeres que no saben leer ni escribir. “Era un universo de contradicciones. Trabajé con mujeres, muchas de ellas analfabetas y yo llego con mi ortodoxia y la legitimidad de la escritura”, cuenta la profesora Sánchez.

Sin embargo, según Sánchez, la victoria de sacar este tipo de estudios de la academia está precisamente en que las condiciones reales abren la posibilidad de dialogar con intereses y preocupaciones igualmente reales, pero también personales. Lo que encontró Sánchez es que a las mujeres de este público les interesaba tener una conversación, no necesariamente para saber algo de las revistas femeninas, sino para conectar sus propias historias con las fuentes primarias.

Con las revistas hechas por mujeres del siglo pasado en la mano, lo que surgió fue una reflexión y una discusión acerca de cómo ellas mismas, las mujeres que participaron de los encuentros, se sitúan como individuos que hacen parte de la sociedad. Mientras se comparaban con las “mujeres de prensa”, especialmente en términos de privilegio, también las integraban a su experiencia como mujeres y como partícipes de la historia política. “Lo que pasó es que vieron que esta historia también es parte de ellas como mujeres. Con todas las diferencias, con todas las discrepancias, con todos los problemas y complejidades, esta historia se la podían apropiar para pensarse ellas en su cotidianidad”, explica la profesora Sánchez.

Tal apropiación de sus proyectos, por parte de otros,  es, en últimas, el objetivo del trabajo de Sandra Sánchez. “Después de esto, lo que hay que hacer es aprovechar este entorno digital [de Pasado impreso] para seguir contando estas historias de apropiación viva”, dice. En este video, la profesora explica la importancia de hacer que la investigación y la creación no se quede en la academia, sino que interactúe con “sujetos que ven el mundo diferente”.

En el marco de la Feria del libro de Bogotá, el ICANH invitó a Sandra Sánchez a ofrecer una nueva versión de estos talleres. En esta ocasión, la profesora se une al trabajo del Instituto para fomentar la investigación de la relación entre historia y género.

Sandra Sánchez es profesora asociada del Centro de Estudios de Periodismo de la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes. Se dedica a analizar las relaciones entre los medios de comunicación, el poder, la clase y el género desde una perspectiva histórica. Coordina el proyecto Pasado impreso. Vea en nuestra cuenta de Instagram la invitación de la profesora Sánchez a hacer parte de este proyecto de cultura escrita. Además, contacte a nuestra profesora a través de su correo electrónico ssanchez@uniandes.edu.co.

Por: María Alejandra Castro
Video de: Sonia Rojas