Convocatoria: Laçzos Artísticos

Laçzos Artísticos es un programa de movilidad internacional para artistas , promovido por la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura (OEI) y la Dirección General de las Artes de Portugal (DGARTES).

La beca DGARTES-OEI tiene como objetivo desarrollar nuevos lenguajes artísticos , territorios, conocimientos y habilidades artísticas y técnicas. Además, servirá como vehículo para el intercambio de conocimientos, el desarrollo de públicos, el lanzamiento de artistas y obras, y el desarrollo de redes de contactos duraderas, tanto en el país de destino como en el país de residencia.

Podrán postularse a este programa, con el objetivo de profundizar sus habilidades, conocimientos y desarrollo artístico, personas mayores de 18 años, residentes o nacionales de un país miembro de la OEI y/o de la CPLP que realicen actividades predominantemente profesionales o estén asociadas a entidades artísticas profesionales.

La actividad artística a la que se postula deberá ser predominantemente en las áreas de:

• artes visuales (arquitectura, artes plásticas, diseño, fotografía y nuevos medios)

• artes escénicas (circo, danza, música, ópera y teatro)

• artes callejeras

• cruce disciplinario

No se aceptarán solicitudes para proyectos en el mismo país de residencia del candidato.

Puede encontrar más información de la beca en este enlace.

El Festival de Teatro Asociación Colombiana de Universidades – ASCUN  es uno de los eventos interuniversitarios más destacados del país que en su versión 2024 reunió a grupos de diversas universidades entre el 2 y el 13 de septiembre.

El grupo de teatro de la Universidad de los Andes el 4 de septiembre presentó la obra Cuestión de sincronía, que fue premiada con el primer puesto del festival y los reconocimientos a Mejor Actriz, Mejor Actor y Mejor Dramaturgia. Cuestión de sincronía es una adaptación libre de cuatro obras de un acto de David Ives.

Juan Camilo Luna fue el director de la obra y los integrantes del grupo que participaron en el montaje fueron: Juan Pablo Salas, Isabela Sepúlveda, Indra Valencia, Gabriela Torres, Daniel López, Juan Pablo Castillo, Laura Alejandra Basto, Esteban Pérez, Natalia Morales, Mariana Farfán, Sofía Matiz, Mariana Castillo, Mariana Carrillo, Nicolás López, Antonia Corrales y David Suárez.

Uniandes como grupo ganador representará al nodo Bogotá en el festival nacional que se llevará a cabo en Medellín la semana del 20 de octubre.

La Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de Andes junto con la Universidad de Massey en Nueva Zelanda llevaron a cabo el primer programa de intercambio cultural, artístico y social de Teatro y Cambio Climático durante el mes de abril de 2023. Como parte del programa de beca del Primer Ministro de Nueva Zelanda los alumnos de este país, estudiantes de Artes Visuales, estuvieron durante un mes en Bogotá trabajando sobre teatro y movimiento, teatro documental, y problemáticas sociales y culturales del teatro colombiano.

Para ello fue necesario un trabajo conjunto con el equipo de La Esquina Redonda, del Bronx Distrito Creativo, donde ambos grupos hicieron intercambios culturales, artísticos y sociales en 6 sesiones de tres horas. En estas sesiones se trabajó con herramientas del teatro (juegos teatrales, estudio de obras de teatro colombiano, sesiones de intercambio oral, etc.) para conocer las problemáticas sociales y ambientales del país, y reconocer las similitudes con otro país como Nueva Zelanda.

Igualmente, fue la oportunidad para el equipo de la Esquina Redonda de mostrar su trabajo en el Museo Nacional, a través de una visita guiada del museo a los alumnos de Nueva Zelanda. A cambio el grupo de estudiantes hizo una presentación teatral de una pequeña obra que trataba de la cultura aborigen maorí y su estrecha relación con la naturaleza. Este intercambio finalizó con la presentación de todo el grupo (incluidos alumnos de la Universidad de los Andes), en el Auditorio Lleras, de escenas basadas en la obra de teatro Si el río hablara del teatro La Candelaria. Fue una presentación con una visión auténtica e intercultural que presentó las problemáticas sociales y ambientales del conflicto armado colombiano, la violencia de la capital, y al mismo tiempo, los problemas que enfrenta un país como Nueva Zelanda a nivel climático y político.

Imagen tomada del sitio web del Teatro Libre

La Facultad de Artes y Humanidades de la Universidad de los Andes lamenta el fallecimiento de Germán Moure, director teatral y cofundador del Teatro Libre, el 2 de mayo de 2023.

Moure fue parte del grupo de ideadores y propulsores del teatro en Los Andes junto a Héctor Bayona y a Ricardo Camacho, entre otras personas. En el año 2001 Germán Moure asumió brevemente la dirección del Grupo de Teatro de la Universidad de los Andes y montó Historias para ser contadas de Oswaldo Dragún, que se presentó en la Plazoleta del R.

Estas son las palabras de aceptación que ofreció Eduardo Ramírez Villamizar, tío materno de Moure, para recibir una condecoración de la ciudad de Pamplona a nombre de Moure en 1999. Páginas encontradas en el archivo Eduardo Ramírez Villamizar que administra el Banco de Archivos Digitales de las Artes en Colombia – Badac.

Germán Moure Ramírez, “Carta «Palabras para recibir la condecoración a German Moure»,” Eduardo Ramírez Villamizar, revisado 3 de mayo de 2023

Desde 2021 nuestro egresado Santiago Ojeda estudia el doctorado en educación de UC Irvine becado. Ojeda es ingeniero biomédico uniandino con opciones en ingeniería y en literatura y magíster en Humanidades Digitales de nuestra facultad. Durante sus estudios, también formó parte del grupo de teatro de la universidad.

«Curricularmente, ¿cómo se piensa la manera en que los humanistas y artistas aprenden a programar?

Bienvenidas y bienvenidos al 10° festival de teatro de Los Andes. Tenemos programación entre el 11 y el 19 de octubre de 2022.

El montaje de Pedro Salazar de la ópera Peter Grimes estaba preparado para inaugurar el Festival Amazonas de Ópera en abril de 2020. El coronavirus y las cuarentenas llegaron, el festival se canceló ese año y en 2021 se celebró en la virtualidad sin Peter Grimes.

La ópera del inglés Benjamin Britten, la historia de un pescador a mitad del siglo XIX en las costas de Suffolk condenado al ostracismo por ser sospechoso de la muerte de su aprendiz, se estrenó finalmente en la versión 24 del festival que se celebra en Manaos, Brasil. Tuvo tres funciones: 20, 22 y 24 de mayo de 2022.

La versión de nuestro profesor Pedro Salazar y el director orquestal Luiz Fernando Malheiro pone a Peter Grimes no en una costa inglesa “sino en una comunidad ribereña, tan representativa de la ciudad de Manaos, ubicada en medio de la selva amazónica”, como resalta el medio español Scherzo. Este, como otros medios especializados en teatro y ópera resaltaron la calidad del Peter Grimes de Salazar y todo el equipo del montaje.

Salazar lanza una mirada astuta al libreto. En su montaje, la ciudad balneario da misterio a la tragedia, que no revela villanos ni buenos. Está la playa brumosa, en el escenario del colombiano Julián Hoyos diseñado para el teatro Amazonas. La iluminación de Fábio Retti, a su vez, calibra el paisaje, con el tono azul – gris del mar inglés. El bar, como si estuviera construido sobre pilotes, recuerda que el drama de Grimes puede estar en el presente y en el norte de Brasil.

Gustavo Zeitel en Folha de S.Paulo, “Ópera gay ‘Peter Grimes’ replica o tribunal das redes no drama de um pescador”. Traducción nuestra.

La producción se acerca así a nuestro tiempo, y resalta la hipocresía y el fanatismo religioso tan presentes hoy en la vida política y social brasileña. Y fundamental en la narrativa creada por Britten.

João Luiz Sampaio en Scherzo, “Un aterrador e impactante ‘Peter Grimes’ tras dos años sin ópera”

Peter Grimes, con sus virtuosos pasajes, es un reto inmenso para cualquier orquesta del mundo. Y la Filarmónica de Amazonas, en el estreno del título en la 24ª edición del Festival de Ópera de Amazonas (viernes 20 de mayo), demostró una vez más su vocación lírica, trayendo la música en toda su riqueza. Dirigida por el maestro Luiz Fernando Malheiro, la interpretación orgánica y teatral exploró con éxito el potencial dramático de la partitura.

Nelson Rubens Kunze en Concerto, “‘Peter Grimes’ de Britten é novo marco na história do Festival Amazonas de Ópera”. Traducción nuestra.

Fotografías cortesía de Olga Maslova

Reparto y equipo

Peter Grimes, pescador, Fernando Portari, tenor

Ellen Orford, viuda, profesora de Borough, Daniella Carvalho, soprano

Capitão Balstrode, comandante de barco mercante retirado, Homero Velho, baritono

Auntie, propietaria de «The Boar», Thalita Azevedo, contralto

Sobrina 1, atracción principal de «The Boar», Maria Sole Gallevi, soprano

Sobrina 2, atracción principal de «The Boar», Dhijana Nobre, soprano

Bob Boles, pescador  y metodista, Daniel Umbelino, tenor

Swallow, un abogado, Anderson Barbosa, bajo

Sra. (Nabob) Sedley, viuda, rentista de una fábrica de la Compañía de las Indias Orientales, Carla Rizzi, mezzosoprano

Reverendo Horace Adams, el párroco, Wilken Silveira, tenor

Ned Keene, farmacéutico charlán, Vinícius Atique, barítono

Hobson, carretero, Emanuel Conde, bajo

John, un niño, aprendiz de Grimes, Rhuann Gabriel, actor

Dr. Crabbe, Robson Ney, actor

Coro del Amazonas

Filarmónica Amazonas

Dirección musical y conducción, Luiz Fernando Malheiro

Dirección escénica, Pedro Salazar

Escenarios, Julián Hoyos

Vestuario, Olga Maslova

Diseño de luz, Fábio Retti

Dirección de movimento, David Suarez

El Programa Nidos, abre cuatro becas que premian la creación y circulación de obras y contenidos multiformato dirigidos específicamente para los niños y las niñas entre los 0 y 5 años.

El trabajo del Programa Nidos involucra a las mujeres gestantes, los padres, los agentes educativos, aquellos adultos que hacen parte de la cotidianidad de los niños y las niñas y a los mismos artistas que crean y trabajan para ellos.

El programa ofrece $165.000.000 de pesos en estímulos divididos en cuatro modalidades.

Las cuatro becas de este programa incluyen:

• Beca de circulación de obras escénicas y conciertos. Fecha de cierre: abril 30 – 5:00 p.m.
• Beca de creación escénica multidisciplinar. Fecha de cierre: abril 23 – 5:00 p.m.
• Beca de creación de libro digital interactivo. Fecha de cierre: mayo 31 – 5:00 p.m.
• Beca de creación de repertorios sonoros. Fecha de cierre: abril 30 – 5:00 p.m.

El martes 30 de marzo a las 10:00 a.m. el Programa Nidos tendrá una sesión informativa sobre su oferta desde la página de Facebook de Idartes.

Si su casa fuera una persona, ¿cómo sería esta persona? ¿Hombre? ¿De talla mediana? ¿Estaría en buen estado de salud? ¿Estaría bien vestido? ¿Sería dado a la familia?

Nuestra egresada del pregrado en Literatura Juliana Morales ganó la convocatoria para dirigir una de las obras del Ciclo de nuevos creadores escénicos del teatro La Maldita Vanidad. Se trata de una obra que, precisamente, tiene el reto de darle características humanas, una personalidad, al espacio. Se llama Solo mía, del dramaturgo Juan Pablo Gómez y se presentará entre el jueves 15 y el domingo 18 de octubre de 2020.

Solo Mía es una obra de dos personajes: Mía y Solo. Mía es una mujer que ha dedicado la vida a su madre y cuando ella muere queda sola en su apartamento, que en la obra, es un personaje cuyo nombre es Solo. Para crear a Solo, entre los actores y la directora, han hecho una exploración para encontrar el punto medio entre la humanidad de un espacio y el espacio como cosa inerte, aunque esté intervenido por lo humano. 

Mía es una mujer de estas mujeres cuidadoras que pasaron toda su vida cuidando a otra persona y nunca desarrolló una vida para sí misma, entonces una vez muere su madre, ya no le queda nada. El otro personaje que es Solo es su apartamento. Entonces, es una obra sobre  la relación entre esta mujer sola y su apartamento que es en últimas una relación de codependencia tremenda y sobre cómo ninguno de los dos quiere estar solo, pero ninguno de los dos aprendió a convivir.

El Ciclo de nuevos creadores escénicos de La Maldita Vanidad convocó, primero, obras originales de dramaturgos jóvenes escritas para dos personajes. Una vez se conocieron las ganadoras: Makanaky, This Is The End y Solo Mía, se abrió el concurso de directores. Juliana se postuló para dirigir Solo Mía. “Los tres dramaturgos ganadores son hombres y de los seis personajes de las obras ganadoras solamente uno es mujer, que es Mía. Por eso y porque el hecho de que Mía sea mujer es muy relevante para la historia, escogí esta obra”. Finalmente, el jurado escogió la propuesta de Juliana para dirigir Solo Mía.

En el equipo que Juliana reunió para apoyar la producción de esta obra participa nuestra egresada de Arte Valentina Rueda como asistente de dirección de arte y la estudiante de Música María Gabriela Rubio quien compuso los boleros que le dan el ambiente a Solo Mía. El equipo se completa con Mariana Parejo como asistente de dirección, Mónica Bastos como directora de arte, Andrés Gaitán en el papel de Solo, los tres egresados uniandinos y, finalmente, con la actriz Pilar Álvarez, quien tiene experiencia de más de dos décadas en teatro y televisión.

Con esta obra, Juliana inaugura la etapa profesional de la carrera que quiere desarrollar como directora y creadora de teatro. En ocasiones anteriores, Juliana ya había tenido la oportunidad de dirigir obras de teatro. Durante su participación en el grupo de teatro de la Universidad descubrió esta parte del quehacer del teatro en ejercicios de clase y, en 2019, dirigió la obra La más fuerte de August Strindberg. Esta obra formó parte del proyecto de final del año del grupo de teatro, para el que decidieron presentar cinco obras cortas de Strindberg, una dirigida por Juan Luna, uno de los profesores del grupo de teatro y las otras cuatro por estudiantes.

Es la primera obra completa, pensada para un público, que dirigí. Antes eran escenas para clase. Esto fue diferente porque veníamos entrenando para dirigir escenas, no producciones enteras. El director no solo toma decisiones artísticas, sino que tiene que ocuparse de armar un presupuesto, buscar un equipo, imaginar un escenario…

Juliana Morales comenzó a involucrarse en el teatro desde el colegio, también estuvo en grupos independientes y más recientemente en el grupo de Pedro Salazar en la Universidad, donde tuvo estas experiencias de dirección, “siempre era una cosa extracurricular a la que le dedicaba un montón de tiempo”. Por eso, unos semestres después de entrar a estudiar Historia, decidió inscribirse en el pregrado en Literatura. “Quería meterme más y más en el teatro, la entrada cercana que tenía era la Universidad y empecé a estudiar Literatura. Decidí hacer doble programa por el teatro”.

El teatro nos cambió la vida. Yo soy proactiva y estoy segura de que eso se lo debo al teatro, porque uno en teatro tiene que resolver, hacer las cosas.

Junto con Mariana Parejo, Juliana ahora saca un proyecto adelante con el nombre Anfibia Teatro, de hecho, Anfibia es la productora de Solo Mía. El propósito de Anfibia es aprender y enseñar a usar el teatro como herramienta pedagógica en diferentes espacios. Comenzaron a trabajar con niños gracias a la relación entre el teatro y el desarrollo de habilidades socioemocionales.

Con Anfibia, Juliana y Mariana se ganaron una beca de Idartes y el Teatro Varasanta para formar parte de Guanábana, una incubadora de emprendimientos creativos en artes escénicas. Están participando con un proyecto de formación empresarial para el entrenamiento en “habilidades blandas” como asertividad, resolución de conflictos, gestión del riesgo, gestión de las emociones, etc. en los sitios de trabajo a partir el teatro. La implementación de este proyecto está previsto para iniciar a final de octubre de 2020.

El teatro y las artes en general tienen mucho qué aportarle a la gente, no solo a los artistas: como espectadores, pero también como hacedores. El teatro es un arte que aporta a la vida de las personas sin tener que dedicarse a él profesionalmente, como también lo es el dibujo, la música o la fotografía.

Solo Mía tendrá cinco funciones en línea en dos horarios: 8 p.m. y 6 p.m. “Estamos en la misma búsqueda de todos los teatros del mundo de cómo adaptarse a la virtualidad tratando de mantener la esencia del teatro, sin irse completamente a los audiovisual, pero aprovechándolo”.

Lo que hoy es el edificio S1 del campus de Los Andes hasta hace 5 años fue parte del bloque R. Específicamente, en ese espacio estaba el salón R-101. Ese es el R-101 que le da nombre al teatro que Hernando Parra fundó hace 25 años. Ese salón fue la primera casa, el primer sitio de ensayo, del grupo que, según Hernando, nació entre cervezas en el año 1995.

La revista Arcadia celebró el cumpleaños del Teatro R-101 con la publicación de una charla con Hernando Parra, que además es literato uniandino. “Al principio ensayaban en varias universidades de Bogotá, pero el colectivo adquirió su identidad luego de que en Los Andes les prestaran el salón 101 del Bloque R, que era el edificio donde se alojó la antigua fábrica de sombreros Richard y que había sido adecuado para presentaciones teatrales. Se los entregaban a las 6 de la tarde y el grupo ensayaba hasta la medianoche casi todos los días”, cuenta el artículo en Arcadia.

“Entregué mi vida al teatro, con todo lo que ello implica. El trabajo incansable y la obsesión han hecho parte de mi camino. Ha sido la única manera para lograr proponerle algo a la ciudad y al país. Soy un hombre de teatro que se levanta pensando en teatro y se acuesta pensando en teatro”, afirma nuestro egresado en Rostros de la Cultura.

El Teatro R-101 hoy tiene sede en Chapinero, en Quinta Camacho, donde se instaló desde 2001. Abre el telón a todos los géneros del teatro, obras contemporáneas y clásicas, colombianas y extranjeras. El grupo base del teatro cuenta entre sus repertorio las obras ¿De dónde vino este animal? (2004), Juego para dos (2005), Mi lucha – farsa (2006), A mi manera (2007), La bienvenida (2008), Sin mente (2009), Las aventuras del Quijiote (2009) y Jappy Hauer (2010).