En la segunda escena el objeto textil se presenta como una experiencia háptica en donde incorpora algunos mecanismos asociados al desarrollo y a la industrialización de la tejeduría y que operados por tejedores in situ, reflexionan sobre el quehacer y la relación máquina – hombre. Los movimientos corporales producto del tejer, logran una remembranza de las formas primigenias del oficio, y también de las formas de mecanización gracias a la  serialidad en el movimiento.  

En el tercer escenario se abre un espacio a la presentación del gesto y el performance a través de un dispositivo “dispuesto”, mecanismo en el que se desarrollan determinadas acciones integradas por diferentes medios audiovisuales como proyección de video, sonido e instalación de objetos.  De esta manera el dispositivo ofrece un conjunto de objetos agenciados y articulados en el espacio y tiempo. En este contexto, el performance privilegia nuevas relaciones con el público, desde la interacción, es decir por la acción de afectar y ser afectado. 

Este ejercicio procura construir nuevas prácticas en la experiencia sensorial del objeto artístico, en las que involucra otras formas de experimentación a través de medios interactivos, es decir una interlocución con y a través de los sentidos.

Programación

Jueves 12 de diciembre 2019.

• 6:00 p.m.
• 7:00 p.m.

Viernes 13 de diciembre 2019.

• 10:00 a.m.
• 12:00 p.m.

Entrada libre

Estudio Intermedial
Universidad de los Andes

Este es proyecto de dibujo de gran formato a grafito en el que la apropiación de varios referentes, que hacen parte de la historia del arte, funciona como citación visual y permite establecer puntos de conexión entre múltiples perspectivas, temporalidades y geografías. Las imágenes que aparecen en el dibujo – que oscilan entre lo borroso y lo definido- funcionan como fantasmas de otros momentos y lugares, y tejen muchas narrativas que se disuelven y aparecen entre la niebla, y de esta manera la composición busca evocar la contemplación y la inmersión del espectador en el espeso recorrido de este paisaje.

En nuestros días, el mundo nebuloso, silencioso y abstracto de los recuerdos se concreta en objetos improbables. Uno de ellos –que si bien está sustentado por la ciencia no deja de ser un artificio- son las viejas fotografías: esos trozos de papel donde, milagrosamente, quedan atrapadas la luz y las imágenes. Las que a veces navegamos en los profundos y peligrosos océanos del pasado, clasificamos estos fragmentos silentes de la memoria para darle algún orden taxonómico a nuestro devenir. 

Por otro lado, existe la invisible materia acústica que también se materializa de formas insospechadas: o bien puede ser la vibración estridente de los insectos desvelados, el crujir de una máquina industrial en desuso, los sonidos dejados al albur en un sintetizador o las cavernas metálicas de un saxofón. 

Y también existe el azar que deja en nuestras manos una extraordinaria paradoja: inventar y reinterpretar radicalmente el pasado a través de un acto único -efímero e irremplazable- nacido de la reverberación conjunta entre el sonido y la luz. 

Programación

Sábado 14 de diciembre 2019.

• 4:30 p.m.
• 6:00 p.m.

Domingo 15 de diciembre 2019.

• 4:00 p.m.

Entrada libre

Estudio Intermedial
Universidad de los Andes

En una antiguedad, Los Selknam, pueblo Amerindio, habitantes en el extremo Austral del continente, en Chile, dedicaban largos periodos de tiempo a contemplar las estrellas y la oscuridad del universo. Luego, lo reproducían a través de dibujos sobre sus cuerpos desnudos. Puntos de variadas escalas, pigmentos blancos esparcidos como polvo estelar sobre la piel fondeada de color negro. 

¿En aquel entonces, cómo miraría el universo a Los Selknam?

En 1965 dos ingenieros descubrirían que en el ruido blanco de los televisores habita un 1 % de radiación cósmica, la cual provendría del impacto explosivo durante la creación del universo.

Desde entonces, un televisor dejaría ser tan solo un artefacto de video, aquellas emisiones de luz con imágenes en movimiento, sino que también, pasaría a ser interpretado casi como un telescopio, recordándonos un mínimo resto de lo que fue el universo en sus comienzos. Muy asociado a su vez con la definición de televisión, visión a distancia, solo que al poner el ruido blanco, estaremos quizá como Los Selknam, lanzando la mirada a un espacio y tiempo muy lejano, uno no conocido.

¿El televisor mira al universo o el universo mira al televisor, y televidente..?

Entonces, como un relato de ciencia ficción, la mirada no solo habita en humanos, hay cosas en el universo observando otras cosas, cosas que en la distancia ponen en evidencia sus cercanías matéricas, lumínicas y oscuras.    

El título de la obra emerge del vocablo «Ápeiron´´, término utilizado por Anaximandro de Mileto para responder a la cuestión que ocupó a los pensadores griegos antiguos: ¿Cuándo y de qué manera se formó el cosmos que nos rodea y del cual hacemos parte? Para abordar dicho problema cosmológico, Anaximandro afirmó que el elemento primordial, el origen materia de todas las cosas (el arjé), no podía ser un elemento determinado, sino por el contrario indeterminado. Ápeiron entonces se refiere a lo infinito, a aquello que no puede limitarse, por lo tanto no tiene forma y no es definible.

Son escenas incompletas de un lugar infinito que no tiene orden cronológico. En ellas se pueden ver los vestigios de la experiencia, pistas de la transformación, ecos de las cicatrices. La indefinición de las situaciones de los dibujos busca atrapar al ojo del espectador. Experimentará la extrañeza y la turbación que contienen las imágenes. Dibujar es entreabrir una puerta. Mirar es espiar por esa puerta entreabierta. 

Por medio de múltiples parlantes distribuidos en el espacio, “Masa Silente” explora los momentos aparentemente menos significativos de la palabra hablada y los amplifica para generar un discurso en el que se evidencia la pérdida del individuo y el nacimiento de un ser poderoso y maleable.

Desde el interés por el uso de los datos como un elemento de información cuantitativo y cualitativo, mi proyecto de investigación y creación se enfoca principalmente en problemas, preguntas o nociones presentes en la exactitud de la medición, representación de datos, creación de modelos, relación de valores, utilidad de la información y sus posibles relaciones simbólicas con expresiones subjetivas. A partir de estos asuntos, han nacido preguntas más singulares como qué relación se puede establecer entre magnitudes afectivas y un plano de coordenadas; cuáles son las consecuencias de hacer la gráfica de una secuencia infinita de números en una escala 1:1 entre un centímetro y una unidad de la gráfica, o cómo garantizar crear el formato de teclado que sea más efectivo a la hora de escribir un álbum de salsa romántica a partir de medir la frecuencia de uso de los caracteres en las letras de las canciones.

Frente a esas premisas, comencé a preguntarme acerca de el valor absoluto y totalitario de la mirada occidental y sobre su rol hegemónico en la fabricación de creencias sobre lo desconocido, el Otro y lo no familiar. Por lo tanto con el fin de entender cómo las imágenes pueden actuar en calidad de instrumentos simbólicos de control y objetos de poder, decidí reconstruir un viaje imaginario, apoyándome en narrativas occidentales preexistentes, escenarios reconstruidos y objetos reinventados. El proyecto The Contact Zone se articula como un recorrido metafórico que indaga acerca de los procesos que llevaron a Occidente a producir concepciones diferenciadas de sí mismo, en comparación con lo que está definido como “ el resto del mundo”1 además, la serie propone cuestionar narrativas de poder y abre una reflexión sobre el tema del contacto con la otredad.