Coloquio Internacional:
Obras y ecos de Luís de Camões

La enseñanza del inglés como lengua extranjera debe ir más allá de los enfoques tradicionales centrados en la gramática y el vocabulario. Se propone un enfoque interdisciplinario que integre las artes, las humanidades y las ciencias sociales, proporcionando una enseñanza más completa y relevante. Este enfoque no solo facilita el desarrollo de la competencia lingüística, sino que también fomenta la interculturalidad, la paz y una ciudadanía global activa.

El arte, en sus diversas formas como la música, las artes visuales y el teatro, ofrece recursos efectivos para enseñar el idioma y explorar contextos culturales y sociales. A través de actividades como el análisis de canciones, pinturas y dramatizaciones, los estudiantes no solo adquieren nuevas estructuras lingüísticas, sino que también desarrollan habilidades críticas, empáticas y reflexivas.

La literatura, como componente esencial de las humanidades, permite a los estudiantes profundizar en la cultura anglosajona, abordando temas universales como la justicia, la identidad y la libertad. Además, las ciencias sociales aportan una dimensión contextual, permitiendo que los estudiantes comprendan problemas globales y locales, como la migración y los derechos humanos, mientras mejoran su competencia lingüística.

Este enfoque interdisciplinario prepara a los estudiantes para enfrentar los desafíos sociales y culturales del siglo XXI, promoviendo una educación integral que va más allá del aprendizaje lingüístico, cultivando una conciencia crítica, creativa y comprometida con la paz y la ciudadanía global.

Resultados de tesis de maestría de educación, sobre el arte del diseño de formas, que es una asignatura de la escuela Waldorf-Steiner, donde la línea no tiene un valor mimetico o figurativo, es entendida como la huella del movimiento, que toma como acervo visual la iconografía de pueblos originarios de diversas latitudes para hacer uso de la línea. Esta asignatura tiene la intención de vivenciar el movimiento por medio de una didactica que atraviese el cuerpo para luego plasmar sobre un soporte la forma. Las fuentes primarias fueron entrevistas a maestras formadoras de Brasil y tomar toda la bibliografía de diseño de formas Waldorf-Steiner en 100 años.

Celebrar lo Infraordinario (2023) es un proyecto de investigación-creación que se mueve entre el performance y la pedagogía. Explora la intersección entre lo cotidiano y lo ritual como territorio fértil para pensar las pedagogías del cuerpo como herramienta de transformación social.
En este coloquio presentaré el libro homónimo a través de una lectura performática y un ejercicio de silencio. Este formato busca disolver la distancia entre el texto, mi cuerpo y el de la audiencia, activando fragmentos del libro y proponiendo una de las acciones que en él se plantean. La intención es señalar elementos que considero fundamentales a la hora de liderar procesos pedagógicos corporales sensibles y conscientes.
La propuesta no busca únicamente comunicar los resultados de una investigación, sino también compartir su modo de encarnarse, su potencia al ser vivida colectivamente. La lectura performática se plantea como una invitación a percibir lo infraordinario y lo ceremonial, a través de una experiencia que activa el pensamiento desde lo sensible.

Esta ponencia analiza la manera en que la enseñanza musical instrumental, está atravesada por narrativas que, desde la lógica biomecánica, buscan el disciplinamiento del cuerpo, configurando dispositivos, discursos y prácticas pedagógico musicales que desde el modelo “conservatorio” determinan la relación cuerpo, instrumento en el quehacer musical. Partimos desde el ya discutido giro corporal en ciencias sociales, para profundizar en la manera en que este enfoque educativo, pretende la configuración de cuerpos dóciles, desconociendo aspectos fundamentales, como la realidad contextual del estudiante, o su dimensión emocional y sensible, como experiencia fundamental en la construcción de los y las instrumentistas. De esta manera, esbozamos reflexiones que contribuyen a la revisión desde una postura crítica, de las metodologías educativas en los espacios de formación musical, naturalizadas y normalizadas, sin apenas discusión hasta años recientes , en los que hemos visto un interés creciente por este tema en escenarios académicos.

En consonancia con mi interés por comprender el alcance de las obras de arte contemporáneo y la construcción de paz, me propongo a compartir los hallazgos de la investigación que desarrollé para optar por el título de Maestría en Estudios Culturales, sobre Fragmentos, espacio de arte y memoria. Este espacio se ubica en el barrio Santa Bárbara Sur en la ciudad de Bogotá.  Mi pregunta de investigación corresponde a la siguiente: ¿Cuáles son los límites y alcances de Fragmentos como espacio de arte y memoria? Para ello dividí la investigación en dos capítulos, Un sujeto neutro para el posconflicto y ¿cómo nos sentimos nosotras reparadas con esto?

El primer capítulo desarrolla las siguientes preguntas: ¿Cómo se construye el sujeto mediador a través de las prácticas discursivas? ¿De qué manera la mediación construye un ciudadano para una sociedad imaginada del posconflicto?  Mi hipótesis es que este sujeto mediador es resultado de una serie de relaciones de poder en donde este es construido y a su vez construye. Por ello me propongo analizar de qué manera el sujeto mediador y el vídeo que se proyecta en Fragmentos inscriben unas prácticas discursivas específicas.  Para responder a esta pregunta de investigación, desarrollé una auto etnografía de mi experiencia como mediadora en Fragmentos durante el 2019, lo cual implica un componente de reflexividad revelando la relación entre el investigador y la investigación, explicar las condiciones de la construcción del conocimiento y el proceso por el cual se llevó a cabo. En el proceso de investigación se seleccionaron experiencias pasadas que se reconfiguran a través de una mirada retrospectiva (Ellis, Carolyn, 2015) acompañada de entrevistas, imágenes, memorias consolidadas en informes y documentos que contribuyen a recuperar recuerdos.

A través de la auto etnografía como método de investigación considerado a su vez proceso y producto, abordo esta particular experiencia de la mediación museal y como estas hablan del contexto. Este enfoque de investigación y escritura busca describir y analizar sistemáticamente la experiencia personal con el fin de comprender la experiencia cultural (Ellis, Carolyn, 2015). Dicho de otro modo, la experiencia personal debe resultar significativa y comprometida con la experiencia cultural al mismo tiempo que busca significar las experiencias personales. Ser científico significa que se está obligado a explicitar sistemáticamente los métodos y cualquier otro factor (pertenencia de clase, etnia, raza, género, afiliación política, edad) que pueda afectar los resultados de la investigación (Ruby, 1995). A esta reflexividad también se le puede denominar una conciencia que en palabras de Guber (2010), constituye la particularidad del conocimiento científico pues este no reside en sus métodos sino en el control de la reflexividad y su articulación con la teoría social.

Adicionalmente, utilicé el análisis del discurso como metodología. Martín Rojo (2003) señala que los discursos y los análisis que de ellos se hacen, son considerados practicas sociales debido a que los discursos y la propia tarea del analista se consideran socialmente situados y se le atribuye un papel en la (re)construcción y reproducción recursiva y recurrente de las estructuras y de la organización social. Lo anterior, puesto en paralelo con la reflexividad, equivale a ser consciente sobre como esto influye en mi aproximación a la producción del conocimiento atravesando todas las etapas del proceso de investigación. Esto sumado a que en el proceso de construcción de conocimiento interviene la experiencia vivida la cual es siempre mediada por discursos sociales que definen quienes somos (Saukko, 2003, pág 74). Incluso hacer esto explicito hace que el trabajo tenga un carácter científico pues pone de manifiesto el lugar de enunciación desde el cual se produce el conocimiento. Martín Rojo (2003) también señala la importancia de relacionar el análisis del discurso con aquellos discursos socialmente relevantes e, imbricados en conflictos sociales, así como el abordaje de los discursos autorizados. Esto en mi investigación se ve reflejado en el análisis de los discursos que se producen desde mi práctica de la mediación como parte del equipo del Museo Nacional y el video que se proyecta de manera constante en el espacio. Esto implica reconocer la existencia de un agente y/o dispositivos que no sólo produce el texto, sino que adopta una actitud favorable o desfavorable hacia lo que enuncia.

Para el segundo capítulo ¿cómo nos sentimos nosotras reparadas con esto? abordé la perspectiva de cuatro víctimas del conflicto armado que pertenecen a la Red de Mujeres Víctimas y Profesionales buscando responder la siguiente pregunta: ¿Cómo opera la capacidad de agencia de las víctimas que hacen parte de la Red de mujeres Víctimas y Profesionales en Fragmentos?  El concepto de agencia de Antonio Gramsci (1924) resulta pertinente para dar respuesta a la pregunta. Para este capítulo se utiliza la etnografía como metodología. La etnografía o el que hacer etnográfico equivale al análisis antropológico como forma de conocimiento. El etnógrafo/a fija su atención en lo que le interesa para extraer una pieza de interpretación antropológica y así inscribir discursos sociales en textos. Esta pieza es interpretada de forma sistemática. La etnografía se constituye de una serie de argumentos que se fundan en interpretaciones y datos bajo una cierta organización textual (Guber, 2011).

En 2026 se cumplen 10 años del Plebiscito de los Acuerdos de Paz entre el Gobierno Colombiano y las FARC. Lo que apuntaba a convertirse en una manifestación democrática amplia en torno a la paz y la reconciliación, en el que el pueblo colombiano refrendaría el resultado de la negociación de paz, terminó convirtiéndose en un símbolo cumbre de la polarización y la ruptura política de la sociedad colombiana en torno a los procesos de terminación del conflicto.

Este documental pretende explorar, 10 años después, el marco social de la memoria histórica, las emociones y el legado en el que se enmarca el Plebiscito como hito (fallido) de la búsqueda de reconciliación y terminación del conflicto.

Se estructura en tres líneas narrativas. La primera indaga memorias y emociones de ciudadanos y actores políticos vinculados al plebiscito, a partir de la pregunta: “¿Usted recuerda qué estaba haciendo cuando se enteró del resultado del Plebiscito de 2016?”. La segunda línea analiza esas memorias y las disputas en torno a la construcción de la memoria colectiva del evento y su legado. La tercera reconstruye una cronología contextualizada del plebiscito, abordando sus antecedentes y consecuencias.

El documental apunta a ubicar el Plebiscito dentro de la memoria histórica del conflicto colombiano y, a la vez, entender sus legados en la sociedad colombiana, 10 años después.

Esta ponencia presenta la sistematización de una experiencia pedagógica llevada a cabo durante la Semana de las lenguas de la Universidad del Atlántico con el semillero Maskeletras, en la que se emplearon estrategias decoloniales para resignificar los cuentos Barlovento y La muerte de la acacia, de Marvel Moreno. A partir de dispositivos creativos como cartas ficcionales (escritas por descendientes imaginarios de los personajes), monólogos dramatizados y videos reinterpretativos, se buscó efectuar una apropiación discursiva con miras a la creación de conocimiento colectivo.
El corpus vivo de esta creación se encuentra activo y se propone continuarlo, posiblemente, en el Coloquio.

Soy egresada del programa de la facultdad me egrese en el año 2022, me animo a enviar esta postulación porque el tema es acorde a mi proceso artístico. No me queda claro si el encuentro es solo para estudiantes de la escuela de postgrado de todas maneras envio mi propuesta.

Signos Vitales es una investigación artística que explora las relaciones sensibles entre el cuerpo, la escucha, el tejido y el dolor. Estas dimensiones se articulan como lenguajes poéticos que revelan la intimidad como refugio, y a su vez un espacio político donde emergen tensiones relacionadas con el poder, las jerarquías de género y los afectos profundos vinculados a la despedida, la enfermedad y el amor.
Desde una perspectiva autobiográfica, el proyecto se construye como un intento por comprender el propio cuerpo como territorio de resistencia, donde el gesto repetitivo y los procesos de larga duración configuran metodologías vinculadas al hacer, al tiempo y a la persistencia. Influenciada por algunos postulados del feminismo, esta búsqueda reconoce en lo personal una dimensión política que atraviesa la experiencia artística. Trabajo desde el performance, el sonido, el tejido y la instalación, entendiendo el espacio como un material vivo, capaz de extender las preguntas del cuerpo hacia su entorno. En este cruce de materiales, Signo vitales propone un habitar más atento, una escucha expandida y una poética de lo íntimo, donde el dolor se transforma en gesto.

El trabajo analiza la relación entre decadentismo y clasicismo en el arte victoriano a través de la pintura Las Rosas de Heliogábalo (1888) de Sir Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), pintor holandés establecido en Inglaterra. En la historia del arte se ha presentado tradicionalmente a Alma-Tadema como un artista representativo del academicismo, sí bien comparte elementos en común con esta corriente, como el uso de temas clásicos y el realismo pictórico, se puede establecer también una relación con la estética decadentista.

«En esta disertación se habla sobre los conceptos fundamentales y las bases históricas del surgimiento de la performance en el arte contemporáneo, así como construir, junto con esa fundamentación histórica, las bases del concepto de partitura de performance con la que trabajamos. Buscamos nuestra reflexión desde las Vanguardias Históricas, a principios del siglo XX hasta la década de 1950. En este contexto, en el año 1952, una obra de John Cage se mostró crucial para el entendimiento de la performance como lenguaje en el arte, así como para el concepto de partituras de performance aquí presentado. La performance es un arte vivo, en el que el público tiene una gran importancia, y el artista puede decidir si el performance es abierto o cerrado. Defino nuevos conceptos teóricos para la performance, teniendo en cuenta ser una obra abierta o cerrada. Se exponen también ejemplos de algunas partituras usadas por los artistas para crear sus performances, sus trabajos y sus poéticas. Por último, el capítulo presenta el trabajo de tres ejecutantes colombianos, cuyo estudio de los procesos creativos posibilita percibir la manifestación de estos dos modos de acercamiento al público (obra abierta y cerrada). Para ello, utilizo a los autores contemporáneos Tina Pit, María Teresa Híncapie y Diego Paris, y luego encontrar las relaciones similares en sus partituras y sus poéticas, para luego encontrar las relaciones similares de las poéticas en las partituras. Por último se analiza la performance autoral por medio de las partituras y discute las hipótesis de las partituras planeadas para la performance y espoe partituras autorizadas trabajadas en la carrera artística. Se realiza una reflexión del trabajo hecho, también trae cuestiones que quedaron fuera y levanta futuras investigaciones en el área de las partituras de la performance.»

Esta ponencia presentará algunos avances y hallazgos de mi tesis de grado, en la que analizo la novela Los estratos (2013), del escritor payanés Juan Cárdenas, desde la perspectiva de la memoria. En un contexto en el que el interés por recuperar la memoria parece omnipresente, la novela de Cárdenas invita a pensar también en sus desafíos y contradicciones. Esto lo hace recurriendo a mecanismos como la parodia, la sátira y la incongruencia, que a su vez producen un efecto humorístico. Por ello, en esta ocasión me enfocaré en la relación entre memoria y risa: ¿puede algo tan importante como la memoria ser objeto de burla? Para intentar responder a esta pregunta propongo examinar algunos pasajes de la novela, así como las consideraciones teóricas de Margaret Rose (sobre la parodia) y Tzvetan Todorov (sobre la memoria y sus abusos).

En este trabajo estudio la representación literaria de los cuerpos femeninos de la novela «El tiempo de las amazonas» (2020) de Marvel Moreno. En primer lugar estudio cómo esta representación revela una caracterización de la experiencia corporal que se cristaliza en dos notorias heridas y a su vez, estas se analizan desde dos grandes categorías: primero, el cuerpo femenino como objeto de deseo y lugar de opresión; y segundo, el cuerpo femenino atravesado por una experiencia particular del dolor, el sufrimiento y la enfermedad. Luego exploro cómo, a pesar de esta primera caracterización del cuerpo femenino que revela la novela, Marvel Moreno dibuja también la posibilidad de que se tejan suturas sobre esas dos heridas a partir de la representación de cuerpos femeninos de mujeres que no sólo son oprimidos y sufren, sino que también tienen potencialidad de gozar, experimentar placer y a la par, construir comunidad con otras corporalidades femeninas que comprenden esta realidad específica. Por último, analizo la forma en que El tiempo de las amazonas parece tejer costuras pues puede ser un palimpsesto de la novela En diciembre llegaban las brisas y revelar con esto una escritura que puede ser considerada, primero, como remedio a los malestares corporales que Moreno manifiesta en su novela y, segundo, como una forma de discurso literario particular.

Esta ponencia quiere dar cuenta de los más recientes avances en mi investigación de tesis doctoral, la cual busca elaborar un panorama crítico de las presencias animales no-humanos en la más reciente literatura en español. En general, una constelación cada vez más grandes de autores en Colombia, España, Argentina o México (entre otros) está acercándose al asunto animal desde una perspectiva anti-antropocéntrica y enmarcada en las múltiples crisis del Antropoceno. Con ello, resulta relevante identificar qué tipo de relaciones con lo no-humano se están proponiendo en la narrativa de nuestros días y a partir de qué estéticas y resistencias políticas se está llevando a cabo.

Esta ponencia presenta la sistematización de una experiencia pedagógica llevada a cabo durante la Semana de las lenguas de la Universidad del Atlántico con el semillero Maskeletras, en la que se emplearon estrategias decoloniales para resignificar los cuentos Barlovento y La muerte de la acacia, de Marvel Moreno. A partir de dispositivos creativos como cartas ficcionales (escritas por descendientes imaginarios de los personajes), monólogos dramatizados y videos reinterpretativos, se buscó efectuar una apropiación discursiva con miras a la creación de conocimiento colectivo.
El corpus vivo de esta creación se encuentra activo y se propone continuarlo, posiblemente, en el Coloquio.

En esta ponencia se abordan la oralidad y la proverbialidad como problemas de traducción de la narrativa afrofrancocaribeña, profundamente marcada por registros lingüísticos creolizados. En primer lugar, se presenta el corpus, compuesto por textos que integran estructuras narrativas orales, proverbios y fórmulas culturales locales. Se explica que la oralidad y la proverbialidad, además de ser recursos estilísticos de herencia africana, actúan como vehículos de memoria colectiva, resistencia y reapropiación identitaria. Esta dimensión simbólica y cultural genera tensiones de orden diverso en los procesos de traducción, en particular, de carácter prosódico y de interpretación sociocultural. A través de un análisis comparativo de fragmentos en versión original y traducida, se examinan algunas estrategias traductológicas y sus implicaciones ideológicas y estéticas. Se concluye que la traducción de la oralidad y la proverbialidad es una práctica discursiva cuyo alcance político y ético exige una sensibilidad profunda hacia las voces que la escritura intenta preservar.

El meme se ha consolidado como vector comunicativo imprescindible en entornos digitales, abarcando dimensiones semióticas, socioculturales y políticas esenciales para comprender las dinámicas del posmodernismo en línea. Su estudio sistemático alcanzó un punto de inflexión en 2012 con los modelos teóricos y metodológicos que guían la investigación actual. Sin embargo, en la última década, el meme ha experimentado una metamorfosis profunda, generando nuevos perfiles semánticos y pragmáticos que trascienden las categorizaciones tradicionales.

A pesar de esta evolución, los enfoques académicos vigentes adolecen de carencias de especificidad y rigor analítico, limitándose a etiquetas genéricas —como “memes políticos” o “memes sobre el trabajo”— sin explorar dinámicas contextuales ni transmisiones meméticas complejas. En respuesta, propongo una construcción teórico‑analítica propia, diseñada para reconocer la cronología y materialidad de Internet; para incorporar elementos iconográficos mediante la metodología de Panofsky; y para privilegiar los conceptos y términos de las comunidades latinoamericanas generadoras de memes. Este enfoque ofrece un marco integral y sensible al contexto comunitario, facilitando un estudio más directo y riguroso de la cultura del meme.

La presente ponencia aborda el performance Antagonías del Tocador como un proceso de investigación-creación donde la palabra se resignifica más allá de su uso textocentrista, adquiriendo un valor «bio-lógico», es decir, como acción viva que emerge del cuerpo, la memoria y la afectividad. En este trabajo, desarrollado dentro de un laboratorio escénico, la palabra se convierte en un gatillo psicofísico que moviliza impulsos primarios y racionales, articulando lo íntimo como territorio político y poético.

A partir de experiencias vinculadas a la pérdida gestacional, el cuerpo de la performer y el espacio performativo se transfiguran en contenedor y canal de una memoria compartida que pugna por ser enunciada. El texto ya no opera como directriz cerrada, sino como matriz de exploración sensible que se activa a través de la voz, el silencio, la imagen y el gesto. La palabra, entonces, no solo comunica: encarna, pulsa y transforma.

Este enfoque metodológico, profundamente vivencial, busca visibilizar lo silenciado y devolver a la escena una palabra que no pretende representar, sino testimoniar. Antagonías del Tocador propone así una dramaturgia encarnada, donde lo escénico se construye desde la vulnerabilidad como potencia creadora.

El proyecto se trata de una serie de obras que comentan sobre los contenidos nostálgicos (nostalgia entendida como la experiencia emocional asociada al recuerdo) específicos de la experiencia del mundo digital del final de los 90 e inicios de los 2000. Las obras presentan el recuerdo contrafactual (la capacidad de recordar las cosas de maneras diferentes a como pasaron en realidad) como una forma de resistencia fútil frente a un presente no deseado.

Mesa 5. Geografía y lugar: posicionarse desde el cuerpo y el espacio | Modera: Prof. David Peña

09:45 a.m. Ortopedias de lo urbano: morfologías de la hostilidad en el centro de Armenia (Q.) | Carlos A Castaño-Aguirre, Doctorado en Diseño y Creación, Universidad de Caldas

10:00 a.m. Instrucciones para construirse un sistema tecnosinestésico | Jerónimo Sepúlveda Niño, Maestría en Historia del Arte de la Universidad de los Andes

10:15 a.m. Primero estaba el mar, de Tomás González. Valor simbólico de las aguas de mar, en claves geocrítica y geohumanística | Julián Ruiz Aparicio, Maestría en Literatura y Cultura del Instituto Caro y Cuervo

10:30 a.m. Ronda de preguntas

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11:00 a.m. Receso

Mesa 6. Literaturas y narrativas alternativas | Modera: Prof. Jerónimo Pizarro

11:05 a.m. Heridas coloniales en Había mucha neblina o humo o no sé qué (2016), de Cristina Rivera Garza | Alexander Castillo M., Maestría en Literatura de la Universidad de los Andes

11:20 a.m. Hacia una reinterpretación de Mensaje, de Fernando Pessoa | Díaz Silva Diego, Maestría en Literatura de la Universidad de los Andes

11:35 a.m. La novela del Caribe francófono: retos de traducción | Záide Figueredo Acosta, Doctorado en Literatura de la Universidad de los Andes

11:50 a.m. La ensoñación poética y la creación en relación a la reivindicación humana | Alejandra Dávila Calderón, Maestría en Desarrollo Humano y Educación Socioafectiva de Universidad Distrital Francisco José de Caldas

12:05 p.m. Ronda de preguntas

12:20 p.m. Inmanencia (obra artística) | Valeria Montoya Giraldo, Maestría en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo de la Universidad de los Andes

12:40 p.m. Ronda de preguntas sobre Inmamencia

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12:45 p.m. Almuerzo

Mesa 7. Cosmovisiones y representaciones de lo sagrado| Modera: Prof. Gemma Bernadó  

02:00 p.m.  Dios Bendiga el Sagrado Corazón de María (obra artística) | María Ríos, Maestría en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo de la Universidad de los Andes

02:15 p.m. El lenguaje de la flor en los rituales nahuas del siglo XVI, mito y cosmovisión | Emilia Raggi Lucio, Doctorado en Historia del Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México

02:30 p.m. Sermones y pinturas: el Purgatorio en el contexto de la Santafé del siglo XVII | Laura Martínez Benítez, Maestría en Historia del Arte de la Universidad de los Andes

02:45 p.m. Humor vestido de negro | Dagoberto Garzón Quevedo, Maestría en Literatura y Cultura del Instituto Caro y Cuervo

03:00 p.m. Ronda de preguntas

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3:15 p.m. Receso

Mesa 8. Artes y exploraciones pedagógicas | Modera: Prof. Carolina Gamboa

03:20 p.m. Prácticas pedagógicas inadecuadas en la enseñanza musical instrumental: un estado de la cuestión | Ortiz Gutiérrez Lorena, Maestría en Arte Educación y Cultura de la Universidad Pedagógica Nacional

03:35 p.m.  Exploring the Teachers as Researchers identity of EFL In-Service during their master’s degree Pursuit | Catalina García, Maestría en Enseñanza de Lenguas Extranjeras de la Universidad Pedagógica Nacional

03:50 p.m. Pódcast para niños “Curioso Senti-Pensante: Un Mundo de Música y Emociones”, Episodio 1: La Muerte | Ana Patricia Ramos G., Maestría en Desarrollo Humano y Educación Socioafectiva de Universidad Distrital Francisco José de Caldas

04:05 p.m. Ronda de preguntas

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Clausura | Charla de cierre 

4:30 p.m. Conexiones, redes y fugas: trayectorias interdisciplinarias de investigación e investigación-creación en las ciencias sociales y humanidades | Profesor Andrés Alberto Lombana Bermúdez, Pontificia Universidad Javeriana, Departamento de Comunicación

Estado del arte: discursos gubernamentales y retórica en pandemia: análisis de la evolución y organización argumentativa del modelo mexicano durante la COVID-19: entre lo político y lo científico

El objetivo de esta ponencia es presentar la construcción de un estado de la cuestión sobre las discusiones en torno a la comunicación gubernamental en salud, particularmente durante la pandemia por COVID-19. Este análisis se basa en la revisión exhaustiva de literatura académica, informes gubernamentales y medios de comunicación, con el fin de identificar los enfoques, estrategias y desafíos que caracterizaron la comunicación de las autoridades de salud durante este periodo crítico. La pandemia de COVID-19, declarada en marzo de 2020 por la Organización Mundial de la Salud, impuso retos sin precedentes a los gobiernos de todo el mundo. Uno de los aspectos más críticos fue la comunicación gubernamental, la cual jugó un papel fundamental en la gestión de la crisis. La comunicación efectiva se convirtió en una herramienta esencial para informar, educar y tranquilizar al público, así como para combatir la desinformación y los rumores que proliferaban rápidamente. El análisis del estado de la cuestión revela varias dimensiones clave en la comunicación gubernamental en salud durante la pandemia. En primer lugar, se observa la importancia de la transparencia y la claridad. Los gobiernos que comunicaron datos de manera abierta y regular sobre la situación de la pandemia, las medidas adoptadas y los resultados esperados, lograron una mayor confianza y cooperación por parte de la ciudadanía. Sin embargo, también se documentaron casos donde la falta de transparencia y la comunicación inconsistente generaron confusión y desconfianza. En segundo lugar, la capacidad para adaptar los mensajes a diversos públicos fue crucial. Esto incluyó la personalización de mensajes según la edad, el nivel socioeconómico, la ubicación geográfica y otros factores culturales significativos. La diversidad de canales utilizados para la difusión de la información, desde conferencias de prensa hasta redes sociales y aplicaciones móviles, demostró ser una estrategia efectiva para alcanzar a una audiencia amplia y diversa. Además, la colaboración intersectorial e internacional emergió como un elemento vital. La cooperación entre diferentes niveles de gobierno, así como entre gobiernos y organizaciones internacionales, facilitó la compartición de información crítica y la adopción de buenas prácticas a nivel global. Este aspecto fue particularmente relevante en contextos donde los recursos eran limitados y la capacidad de respuesta necesitaba ser fortalecida a través de alianzas. La evaluación crítica de las estrategias de comunicación también ha revelado desafíos significativos. Entre ellos, la gestión de la información en tiempos de crisis planteó dilemas éticos y prácticos. El equilibrio entre la urgencia por informar y la necesidad de verificar la información para evitar la propagación de noticias falsas fue uno de los retos más complejos.

Este trabajo es una investigación exploratoria sobre la relación entre la violencia asociada a las actividades ejecutadas, en el contexto espacio-temporal de la ciudad de Medellín de los años 1980’s, por parte de grupos, organizaciones e individuos, dentro de la ilegalidad, y el desarrollo del género y subcultura de metal extremo colombiano conocida como «ultrametal» como respuesta a ese contexto violento.

Entendiendo la música como una práctica que cumple diversas funciones sociales específicas dados sus contextos, en este caso se propone que el «ultrametal» cumplió una función de «resistencia violenta». Se consultó información del Centro de Memoria, Paz y Reconciliación sobre el conflicto, literatura historiográfica sobre Medellín, fragmentos de prensa que hablan tanto de la violencia generalizada en la zona durante esa época como del crecimiento de la escena del «ultrametal», y otras investigaciones sobre la intersección entre la violencia y la música en Medellín y se comparó dicha información con las letras, estética y experiencias recopiladas y analizadas de dos bandas de Medellín que se consideran representativas dentro de este movimiento para dar un panorama acerca de la función que cumplió el ultrametal con respecto a la violencia experimentada en Medellín durante de la década de 1980.

La ponencia se propone una reflexión sobre prácticas y/o experiencias estético- políticas de manera crítica y analítica, la performatividad asumida con intención política desde el ejercicio artístico de familiares de víctimas de desaparición forzada en el departamento de Córdoba – Colombia. Partiendo de los conceptos sobre la relación de duelo y desaparición, en cómo debe asumirse el no tener un cuerpo al cual “velar” y/o realizar un rito de despedida, la eterna incertidumbre de qué ocurrió con esos cuerpos que son más que esto, porque son historias, son familias.

Aquí se ofrece una síntesis que permite observar formas de adaptar un estilo musical en un contexto distinto a su lugar de origen, el objetivo se centra en realizar esta adopción a través del argot y el acento prosódico. Dentro de los antecedentes encontramos “Maleviaje”, fonograma del cantautor «Pala» donde referencia tangos icónicos explorando el uso del argot paisa, el parlache; en aras de comprender que es el parlache, se hace referencia a la autora Luz Estella Castañeda, investigadora de este tema. Esta investigación se realizó a través de una etnografía en Medellín observando cómo se recrea el tango allí, además de una auto etnografía comprendiendo como en la autora se da el acento prosódico y se usa el argot para trasladarlo a su interpretación, encontrando posibilidades de reinterpretar este género, desde el acento y el parlache para seguir realizando una apropiación del género en Medellín. Los resultados muestran que en muchas ocasiones es necesario realizar transformaciones a nivel de fraseos, argot y modos vocales. De este modo se crearon tres piezas originales, un vals, un tango experimental, una milonga y una adaptación de una milonga argentina clásica ya existente a través de la traducción del lunfardo al parlache.

El ser humano construye su entorno de forma experiencial y gradual dentro de su comunidad, y disciplinas como la arquitectura deben comprender esta temporalidad para fomentar una construcción social efectiva. En este contexto, el dibujo actúa como lenguaje universal y herramienta clave para el diálogo entre actores de distintas procedencias, promoviendo así la comunicación y el entendimiento mutuo. En la educación en arquitectura, la pedagogía de la solidaridad (Gaztambide-Fernández, 2012) es esencial para fomentar un aprendizaje que no solo priorice la tecnología, sino también la interacción social y el pensamiento crítico. Aunque la educación arquitectónica actual enfatiza el uso de tecnologías avanzadas, esta tendencia puede limitar el desarrollo de una visión crítica y solidaria (Aparici & Silva, 2012). Metodologías que combinan lo físico y lo social permiten un análisis pausado y profundo de las problemáticas comunitarias. El artículo expone estudios de caso en Colombia y República Dominicana, donde talleres basados en dibujo a mano alzada facilitaron el análisis de entornos y el diálogo grupal sobre problemáticas comunes, impulsando una construcción social inclusiva. Así, la formación arquitectónica necesita un equilibrio entre tecnología y métodos críticos, para desarrollar espacios que promuevan territorios inclusivos y comprometidos socialmente..

La ponencia analiza la intersección y el conflicto entre la vejez y el sistema de valores de la masculinidad tradicional, centrándose en la premisa de que la edad afecta la percepción que los hombres tienen de sí mismos. Aquí se analizarán en detalle a los protagonistas de las obras «El avión de la bella durmiente» de Gabriel García Márquez, «La casa de las bellas durmientes» de Yasunari Kawabata y «Por un bistec» de Jack London para ilustrar el sufrimiento de estos hombres mayores al enfrentarse a la pérdida de su atractivo y, en consecuencia, de una aparente hombría, analizando el dolor y la humillación que sienten ellos al entender la vejez como un problema de identidad. Además, se criticará la construcción social de las masculinidades, así como el fundamentalismo masculino que refuerza la idea de que los hombres deben ser dominantes y fuertes. La presentación sugerirá que la percepción de la vejez como pérdida de masculinidad es un constructo cultural que margina a los ancianos, dejándolos en una situación de vulnerabilidad e indignidad. Finalmente, planteará la necesidad de reevaluar estas nociones para comprender mejor la experiencia de los hombres mayores en la sociedad contemporánea.

Esta investigación analiza el uso de algunas herramientas TIC por parte de un grupo de mujeres en Putumayo, Colombia; estos usos se caracterizan como «desviados», «mutantes”, tácticos o parte de una revolución mental. Las cifras oficiales muestran que el uso de herramientas TIC no ha mejorado significativamente la situación laboral y económica «formal» de las mujeres en el Sur; sin embargo, en esta investigación, encontramos que las herramientas TIC estaban siendo apropiadas, transformadas y utilizadas en comunidades que impulsaban la economía informal: promueven la agencia, ayudan en la creación de redes, actúan como formadoras, informadoras y transformadoras de dinámicas sociales, no siempre de forma “indicada”. Estas mujeres utilizan las herramientas digitales como un bricoleur, recogiendo diversos fragmentos para romper barreras de acceso, encontrar información y conocimiento, aplicar tácticas de empleo informal, entre otros usos. La pregunta principal es, ¿qué transformaciones en la capacidad de agencia crean estas herramientas TIC cuando se implementan en una comunidad en particular? Esta presentación analiza algunos de estos usos “mutantes” y cómo afectan la vida cotidiana de algunas mujeres en el sur de Colombia.

La implementación de perspectivas feministas en la teoría musical surge como parte de una necesidad reciente de diversificar y generar inclusión más allá del canon masculino europeo. Debido a que esta área ha sido manejada predominantemente por teóricos y analistas hombres y donde además se estudian con mayor frecuencia compositores de sexo masculino, la inclusión del feminismo permite escuchar y entender la teoría musical desde otras posturas y voces, enriqueciendo y develando nuevas formas de analizar música como también de generar autocrítica en la disciplina. De esta manera, se proponen una discusión del estado reciente del feminismo en la teoría musical abordando referentes como Susan Mclary, Fred Everett Maus, Rachel Lumsden, Ellie M. Hisama y Danielle Sofer.

Para su investigación sobre el conflicto armado, la Comisión de la Verdad de Colombia recurrió al procesamiento de datos textuales de los testimonios dados por diversos actores involucrados en la guerra. En esta ponencia, presento cómo los principios del feminismo de datos propuestos por Lauren Klein y Catherine D’Ignazio delinearon la conceptualización y metodología de mi proyecto de grado, que indaga sobre el lenguaje afectivo en los testimonios, desde una postura alternativa a la del equipo de Procesamiento de Lenguaje Natural de la Comisión. En la visualización de datos sobre el lenguaje afectivo usado en testimonios de “hechos victimizantes”, el equipo de Procesamiento descartó las palabras que asoció con la emoción «alegría», en tanto resultaba contradictorias al contexto. Si bien es cuestionable el abordaje del estudio del lenguaje afectivo con base en la clasificación de emociones, en esta ponencia me enfocaré en mostrar, desde el feminismo de datos, cómo esta decisión de exclusión va en contravía del reconocimiento de la agencia política de las víctimas y actores del conflicto, y, por tanto, en el uso investigativo de los datos con justicia social.

En el presente trabajo se busca responder a la pregunta ¿Cómo se resignifica el dolor a partir del proceso de hipotiposis que realiza Emma Reyes en sus cartas y Alfred Kubin en sus contribuciones a la literatura? Siendo ambos artistas lejanos espacialmente, comparten vidas similares, en una suerte de unión trasatlántica de subjetividades. Más allá de visibilizar el proceso de ambos artistas, se busca exponer una figura retórica articulada al arte que sumblima subjetividades, a pesar de la distancia geográfica, y que sirve como recurso interdisciplinar.

El proyecto «Bios Lumen: del homeplace al artivismo a través de una narrativa transmedia» narra la historia de Alma López, una mujer que en 2005 sobrevivió a una electrocución, quedando con cicatrices que transformaron su identidad física y emocional. Este suceso fue mal representado en los medios, que la catalogaron como una ladrona, lo que profundizó su estigmatización por ser una mujer pobre y de clase baja. El proyecto transmedia, desarrollado a través de plataformas interactivas, fragmentos audiovisuales, podcasts y otras expresiones artísticas, busca dar voz no solo a Alma, sino a otras víctimas de negligencia y prejuicio. Inspirado en el concepto de homeplace de Bell Hooks, el proyecto convierte lo íntimo en una resistencia colectiva, donde el dolor personal se entrelaza con la lucha contra la opresión social, colonialista y sexista. El artivismo desempeña un papel central, combinando arte y activismo para crear conciencia sobre los abusos periodísticos y la marginalización. La historia de Alma, así como el enfoque decolonial del proyecto, promueve un diálogo sobre el poder del arte en la construcción de comunidades resilientes y la deconstrucción de narrativas opresivas.

Este proyecto de investigación-creación explora el concepto del eterno retorno, desarrollado por el filósofo Friedrich Nietzsche, mediante una propuesta artística que utiliza títeres y marionetas como medios expresivos. La propuesta busca reflexionar sobre la figura del Übermensch o superhombre, una de las ideas centrales de Nietzsche. A través de la creación y animación de los títeres y las marionetas, se invita a los participantes a cuestionar el ciclo continuo de la vida y la superación personal. La investigación se enfoca en cómo los títeres pueden representar visual y simbólicamente el eterno retorno, un concepto que plantea la repetición infinita de los eventos de la vida y la aceptación de este ciclo como un camino que aporta al desarrollo humano. El uso de títeres permite crear una narrativa que refleja la lucha interna y el proceso de transformación del ser humano. El proyecto se convierte así en una metáfora de la búsqueda de libertad y el reto de abrazar las dificultades de la vida.

Uno de los repertorios más interesantes y desafiantes para el pianista clásico y amante de los grandes compositores y de sus obras icónicas, es la representación del set de Estudios de ejecución trascendental, del compositor y pianista Franz Liszt, quien llevó a la cúspide el virtuosismo y el desarrollo de la técnica pianística al servicio de la expresión musical subjetiva del intérprete. Es por ello que, actualmente, ha generado mucho interés, en la comunidad pianística, sobre todo anglosajona y asiática, la divulgación discográfica, bibliográfica e icónica, de los Estudios trascendentales; mientras en Suramérica se han realizado pocas, y aún menos, con reporte escrito. Por tanto, mi objetivo es investigar y preparar un concierto-conferencia de piano de este set de estudios desde Colombia, para aportar mis conocimientos, experiencias y reflexiones obtenidos, a la más creciente comunidad pianística del país, profundizando en el contenido Técnico-musical, programático y poético de la obra facilitando su enseñanza y aprendizaje y construyendo una metodología en la que se aplique eficazmente la técnica pianística romántica en la formación de pianistas de cualquier estamento de la educación.

En Colombia las expresiones artísticas y musicales, dentro del contexto de violencia causado por el conflicto armado, han ayudado a generar procesos de resistencia, denuncia o sanación. En ese sentido, expresiones musicales como el rap y el punk, en escenarios urbanos como Bogotá o Medellín, exploran diversas manifestaciones que nos dejan ver las maneras en las que dichos géneros se posicionan frente al conflicto. Es así que, nuestra apuesta sostiene que tanto el rap como el punk tienen puntos de contacto en común en lo que respecta a sus letras y esto puede deberse a que ocupan espacios de expresión similares que nos permiten evidenciar aspectos del conflicto por medio de sus retóricas. Lo que se buscará hacer para mostrar esto es realizar un contraste entre las letras de las canciones vistas en el proyecto de rímalo y el rap conciencia; la agrupación bogotana la etnia y, finalmente, letras de Policarpa y sus viciosas.

Este proyecto de investigación explora el papel de la música en relación con el cuidado para la construcción de paz en Colombia, centrándose en dos casos emblemáticos: El Hip-hop en en Medellín, y las cantaoras del Pacífico colombiano. La investigación aborda cómo la música, como expresión cultural que refleja identidades y lazos comunitarios, contribuye a la creación de una cultura del «nosotros» en un contexto marcado por la degradación de la guerra. El proyecto utiliza una revisión documental extensa que abarca textos académicos, periodísticos, material audiovisual y las músicas mismas, con el objetivo de aproximarse desde diversas perspectivas a las dinámicas comunitarias y culturales. Basado en la ética del cuidado propuesta por Comins-Mingol, el análisis se da en torno a cómo la música, con las particularidades de cada caso, (1) se convierte en un fenómeno de cuidado con el potencial de fortalecer los lazos sociales, (2) carga un componente ritual fuerte y (3) es vital tanto a nivel individual como comunitario. Este estudio busca aportar puntos de encuentro y desencuentro que provean nuevas perspectivas sobre el papel de la música en procesos de paz, subrayando la importancia de proyectos culturales que promuevan la cooperación y empatía comunitaria.

A través del concepto de parodia de Agamben y de paratexto de Genette, este ejercicio de literatura comparada busca realizar una nueva lectura del álbum «Maestra vida» de Rubén Blades, a través de sus antecedentes musicales (Hommy), teatrales (la zarzuela cubana) y cinematográficos (Ópera do Malandro), para posicionarla como la obra que define la ópera latina como un género literario diferenciado, cuya influencia se ve aún en obras musicales y teatrales.

En esta ponencia se expondrán el proceso y los resultados de investigación de la tesis de grado «Creación e interpretación de piezas para voz y electrónica basadas en el estudio vocal de la Juga», la cuál consistió en la composición de tres piezas musicales para voz solista con medios electrónicos, fundamentadas en un análisis detallado del estilo y las estructuras vocales de la juga, un ritmo característico de las músicas afrocolombianas del Pacífico sur colombiano. Este proyecto se sustentó en una metodología ética que contempla la reflexión crítica sobre la apropiación cultural y el extractivismo de saberes, integrando el análisis formal, lírico, perceptual y acústico de las voces en la juga, a partir de grabaciones obtenidas en las regiones de Guapi, Tumaco y Timbiquí. Para complementar este análisis, se realizaron entrevistas a intérpretes vocales e instrumentales, profundizando en los conceptos, términos y dinámicas propias de estas músicas y sus comunidades. La creación musical se enriqueció con el uso de técnicas de modificación de sonido mediante medios electrónicos, como la convolución, la síntesis granular, la reverberación y el delay. Los resultados del análisis revelaron características específicas de la voz en la juga, en el registro, el brillo, el color, el ataque, las ornamentaciones, la dinámica y el movimiento armónico, identificando patrones estilísticos y estructurales que informaron la creación de las composiciones. Las entrevistas proporcionaron una comprensión más profunda de las prácticas y conocimientos de las comunidades, permitiendo una creación musical más informada y respetuosa. La tesis concluye que es esencial adoptar un enfoque ético en la investigación y creación musical, reconociendo y respetando los saberes de las comunidades, y promoviendo un diálogo intercultural. Las piezas musicales resultantes ilustran cómo los recursos vocales tradicionales pueden interactuar con medios electrónicos para generar nuevas expresiones artísticas. Este trabajo aporta al campo de la investigación musical al ofrecer una perspectiva más amplia y crítica sobre la apropiación y el uso de músicas tradicionales en contextos contemporáneos, facilitando la asimilación y transformación de estas músicas en nuevos lenguajes que combinan elementos tradicionales con expresiones musicales contemporáneas como los medios electrónicos. Asimismo, presenta una memoria metodológica que narra la experiencia del autor a lo largo del desarrollo del proyecto, incluyendo los cambios de decisiones, las preguntas y problemas surgidos, así como las soluciones encontradas, reflejando un proceso de creación dinámico y reflexivo. Se presentarán fragmentos ejemplo de cada una de las composiciones.

De acuerdo con James Petty (2016) la arquitectura hostil es considerada una característica de lo que denomina el paisaje urbano securitizado: transformaciones en la ciudad mediante mecanismos estructurales de control, y eliminación de la experiencia sensorial que cierra la posibilidad de encuentro e intenta evitar la participación de los otros en la producción del espacio, acudiendo a métodos que en muchos casos se asemejan a los utilizados por torturadores, en beneficio de aquellos que pueden adherirse a las normas socio-culturales dominantes y códigos político-legales. Su intención es excluir, pero también controlar y corregir unos comportamientos que emergen y tienen lugar en los espacios públicos urbanos, los cuales son marcados como “inadecuados” y ponen en riesgo el “orden” deseado y establecido. Son maneras de control de los cuerpos, “ortopedia de lo urbano” que, a través del diseño, buscan enderezar o alinear comportamientos al estándar de un ciudadano ideal. El diseño y la arquitectura hostil no se manifiestan de manera única; de hecho, algunas de sus formas podrían aún no haber sido reconocidas. Para abordar esta diversidad, se plantean clasificaciones y tipologías de los dispositivos, basándose en su lógica de uso, los comportamientos o restricciones que generan en el espacio intervenido y su estructura formal.

El artista uruguayo Brian Mackern desarrolla una forma nueva de recorrer y habitar la ciudad tardomoderna a partir de una experiencia tecno-mediada que ha designado como Cartografías afectivas, haciendo uso de tecnologías electrónicas de medición y producción de imágenes digitales. Esta ponencia busca argumentar que, al inventar una nueva forma de sentir y estar en el mundo, Mackern resiste las lógicas capitalistas que moldean nuestros modos de habitar los espacios. Esto es posible gracias a la expansión de su sistema perceptivo y estético. En términos de Susan Buck-Morss, el uruguayo logra desintoxicar su sistema anestésico. Este trabajo sostiene que Mackern formula su resistencia a las lógicas adictivas del capital, descritas por Bernard Stiegler, mediante la creación de un sistema perceptual tecnosinestésico, producido a través de la inserción de órganos técnicos en su cuerpo, lo que da lugar a un devenir cyborg. Si para Laurent de Sutter (2022) no hay forma de salir del narcocapitalismo que anestesia nuestra existencia, Brian Mackern inventa, a partir de la creación técnico-digital, un escape de la realidad narcótica que parece definir nuestro tiempo.

Esta ponencia presenta uno de los hallazgos relevantes de la investigación “Entre performatividades y “apropiación” en Había mucha neblina o humo o no sé qué (2016), realizada en la Maestría en Literatura, de la Universidad de Los Andes, entre 2023 y 2024. Expone los modos en que la Cristina Rivera Garza aborda las heridas coloniales en su proceso de investigación – creación a partir de la vida y obra de Juan Rulfo. Para tal fin, se aborda la noción de herida colonial y los modos en que la autora se ocupa de tres de ellos: 1. Inequidad de género, el papel de la mujer en términos de denuncia y resistencia. Aspectos clave a lo largo de todo el libro. 2. Presencias Queer, la autora presenta a Rulfo como el primer escritor Queer, lo cual ha generado polémica. 3. Identidad cultural, se aborda el efecto del proyecto de la represa de Papaloapán en la comunidad mixe, frente a lo cual la autora plantea una forma de resistencia a través de la escritura. En esta ponencia se ensaya una explicación crítica de estos aspectos. La “herida colonial” se aborda desde autores decoloniales como Gloria Anzaldúa, Walter Mignolo y Aníbal Quijano.

En mi investigación realizaré una lectura crítica de los poemas que contiene el libro Mensaje, de Fernando Pessoa (1934), para reflexionar acerca del significado del libro. Sin embargo, más que agotar su significado, se espera dar apertura a una nueva manera de leerlo. Esto se hará por medio del concepto de temporalidad, desarrollado por Gonzalo Iparraguirre y Sebastián Ardenghi. Se verá cómo esta noción es fundamental para identificar los alcances del tiempo mítico presente en el libro, en contraposición al tiempo lineal como predestinación del Dios cristiano. En esa medida, esta reflexión también nos permite entender que el papel que tiene la política y el esoterismo en Mensaje es secundario, pues si bien se han elaborado interpretaciones de este tipo, una lectura cuidadosa demuestra que la noción de temporalidad rebasa cualquier interpretación simbólica o política del único libro que Fernando Pessoa publicó en vida en su idioma natal.

En esta presentación, en donde se resume la primera parte de la investigación doctoral de la ponente, se examinan los desafíos de traducción de ‘Pluie et vent sur Télumée Miracle’ de Simone Schwarz-Bart, una obra fundamental en la narrativa afrofrancocaribeña de la segunda mitad del siglo XX, con énfasis en la presencia de elementos de la lengua y la cultura créole. En primer lugar, se introduce la novela y se ubica en su contexto histórico y literario. A continuación, se ofrece una breve descripción de la lengua créole de Guadalupe y se discute el rol que desempeña en la novela como expresión de una identidad postcolonial. por último, a partir de un par de fragmentos, se analizan los principales desafíos de traducción y se concluye con una reflexión acerca de la importancia de preservar el carácter créole en las versiones traducidas.

Con la presente ponencia se explora la metodología de la ensoñación poética como una herramienta de reivindicación humana. Para esta investigación en específico, la creación artística no es sólo un medio para dar cuenta de un proceso de indagación, sino que el acto creativo es en sí mismo lo que la compone y le da sentido. La creación poética a través de la ensoñación formulada por Gaston Bachelard (1960) considera el lenguaje más que un simple instrumento de expresión sino, que considera al lenguaje capaz de crear mundos, donde se puede nombrar lo vivido imaginativamente y transformarlo sin negarlo. Del mismo modo, puede entonces el lenguaje y la creación poética dar cabida a realidades del yo o identidades menos fatigadas, más armoniosas o menos violentadas. La consciencia del presente se alimenta del proceso de ensoñación. Aun cuando la ensoñación evoca implícitamente el pasado, la realidad afectada es la presente. El ejercicio poético me posibilitó y posibilita subsistir a la violencia, a la pérdida de la identidad, me reivindica en lo humano, en la dignidad, esta ponencia busca mostrar el proceso de creación poética que da cuenta de ello.

Inmanencia es un proyecto escultórico-instalativo compuesto por diferentes piezas, que surge de la pregunta: ¿Cómo construir un cuerpo con los residuos de ese mismo cuerpo? Tras el intento de responder esta inquietud surgen diferentes tipos de acciones que se dan alrededor del almacenamiento del cabello, del tejido y la modificación de los residuos corporales como el cabello y las uñas. Lo anterior, provoca la intención de construir un nuevo cuerpo desde lo diminuto, lo sutil y lo que se transforma. En el coloquio quiero presentar la acción de tejido llamada ARO-CADENETA que le da origen a las piezas de INMANENCIA. Me gustaría saber si la acción puede durar 20 mins. Gracias, les comparto link https://youtube.com/shorts/efo770r69jo?feature=shared

La ponencia pretende ser un recorrido por mi proyecto Dios bendiga el sagrado corazón de María que es mi tesis de grado para la maestría en Artes Plásticas en la Universidad de Los Andes, en Colombia (2023-2024). Allí combino la escritura, la pintura, el dibujo y la instalación. Así como imaginería propia, materiales comunes de escenarios rurales cercanos a mi lugar de origen y reinterpretaciones de iconografía católica. El proceder del proyecto en combinar materiales “ordinarios” propios de zonas rurales con iconografía católica propia de las iglesias más reconocidas del país, parte de la intención de poner en dialogo los lugares “vulgares” y “banalizados” con aquellos “sagrados” y “sacralizados”. Partiendo desde una espiritualidad con raíces en la costa colombiana, el proyecto actúa como una recolección de rezos y peticiones que cuidan por mi familia en la distancia. El proyecto se centra en el pedir/rezar como practica profundamente arraigada a la relación que mantengo con mi familia, especialmente mi madre, y con el hecho de encontrarme gran parte de mi vida lejos de ella y de mi ciudad natal.

En las representaciones dramáticas de los nahuas del siglo XVI relacionadas con el calendario agrario -transcritas en los manuscritos Cantares Mexicanos, Primeros Memoriales y Romances de los Señores de la Nueva España- nos encontramos con una gran cantidad de símbolos asociados a la cosmovisión. En estas fiestas, se aglutinaban una serie de recursos estéticos como la danza, música, coreografía, vestuario, escenografía y decoración corporal para evocar tiempos míticos. Dentro del complejo sistema simbólico de los rituales festivos la flor (xochitl) tenía diversas asociaciones que iban desde objetos como escudos y tambores, o personajes como soldados, músicos y nobles, hasta espacios míticos y humanos como el jardín florido, el palacio, el lugar de los muertos; sus metáforas, relacionadas con el color, aroma y formas daban sentido a un complejo cultural fundamentado en la cosmovisión. En esta presentación pretendo mostrar algunos temas narrativos relacionados con los significados semánticos y metafóricos de la flor a través de la confrontación de fuentes visuales -códices, sobre todo- y escritas, algunas provenientes de la tradición oral recopiladas en el siglo XVI por los nahuas y frailes.

En Santafé, durante el siglo XVII, la presencia de determinados elementos similares en las pinturas y en los sermones sobre el Purgatorio (penas, devoción y acción, relación entre Cristo y las almas) nos permiten pensar en la existencia de la relación, no causal, entre imágenes y palabras. Asimismo, estos elementos funcionaron como una base para legitimar el poder de la Iglesia como mediadora entre el Cielo y la tierra mediante el otorgamiento de la gracia y el mérito a los fieles, los cuales son elementos indispensables para alcanzar la salvación. Esto nos permite ver cómo el Concilio de Trento tuvo un impacto notable sobre el continente americano

Con esta ponencia me propongo hacer una aproximación a tres de las obras del particular grupo argentino Les Luthiers con el fin de rastrear las referencias de la cultura negra presentes en ellas. Pretendo explorar las raíces afro que de manera recurrente han sido pasadas por alto, olvidadas y hasta negadas por el arte argentino y que, en la obra de Les Luthiers, podrían reaparecer y, de forma irónica, recordar su profunda influencia en la producción cultural argentina. Las obras a examinar serán: “Cartas de color (Comedia musical)”, estrenada en 1979 en el marco del recital Hacen muchas gracias de nada; “Cantata del adelantado Don Rodrigo Díaz de Carreras, de sus hazañas en tierras de Indias, de los singulares acontecimientos en que se vio envuelto y de cómo se desenvolvió (Cantata)”, estrenada en el recital Mastropiero que nunca de 1979 y “¿Quién mató a Tom McCoffee? (Música en serie)”, estrenada en 1998 como parte del recital Bromato de armonio. Después de casi seis décadas de un prolífico trabajo artístico, es pertinente afirmar que la producción de Les Luthiers constituye un punto de partida conveniente para acercarse a la cultura latinoamericana en general y a la argentina en particular.

Esta ponencia analiza la manera en que las prácticas pedagógicas impactan en la formación musical instrumental en niveles intermedio y/o avanzado, y como condicionan la continuidad o abandono en el proceso formativo. El problema se aborda desde la perspectiva de la ‘desculturación’, siguiendo autores como Silvia Carabetta (2016) que propone el impacto en la conformación identitaria de una educación con principios euro centrados. También se tiene en cuenta, los aportes de Coriún Aharonian (2000) que se refiere a una relación de poder desequilibrada entre la música popular y académica. Así mismo se caracterizan estas prácticas pedagógicas como inadecuadas, analizando la manera en que contribuyen a la proliferación de distintas violencias al interior de la academia, físicas, verbales, simbólicas y de género entre otras. Para este aspecto, se referencian autores como Basilio Fernández Morante (2018) que analiza la problemática desde una perspectiva psicosocial, o Graham Frederick Welch et al. (2008) que abordan las implicaciones al respecto, en la representación performativa. Con esto se busca dar un balance general de las investigaciones que han abordado el tema y la manera en que se ha comprendido y proyectado el impacto en la educación formal en música.

This qualitative study explores the identities of in-service English as a Foreign Language (EFL) teachers as teacher-researchers while they pursue a master’s degree. Using an exploratory-descriptive case study methodology, this research examines the factors influencing how these teachers understand and navigate their dual roles, emphasizing the integration of research into their teaching practice. The study draws on semi structured interviews and focus groups to gather a comprehensive view of participants’ experiences within the unique context of their graduate studies. Thematic analysis is used to identify recurring themes and patterns, providing nuanced insights into the complex interplay between professional identity and academic engagement. Findings are expected to reveal a spectrum of influences—from program-specific factors to personal motivations—that shape how EFL in-service teachers perceive their roles as teacher-researchers.

En esta ponencia se presentarán los avances y hallazgos de la investigación/creación del podcast para niños «Curioso Senti-Pensante: Un Mundo de Música y Emociones», específicamente en su Episodio 1: La Muerte, desarrollado en el marco de la Maestría en Desarrollo Humano y Educación Socioafectiva de la Universidad Distrital. Se explorará cómo los podcasts pueden convertirse en un recurso pedagógico práctico, dinámico y sensible para abordar el tema de la muerte con niños de 8 a 10 años. A través del juego, la música infantil y el diálogo, se busca fomentar la educación socioafectiva, permitiendo que los niños resuelvan sus dudas y expresen sus emociones en un entorno seguro. Se presentarán reflexiones surgidas de entrevistas sobre la percepción de la muerte, así como experiencias y estrategias para empoderar a los niños y facilitar un diálogo significativo en torno a este tema. Esto ayudará a promover la expresión emocional, el aprendizaje y la familiarización con la muerte como una parte fundamental del ciclo de la vida. Como referentes se considerarán la Pedagogía de la muerte de Herrán et al., la teoría de las capacidades de Nussbaum, y la teoría de la inteligencia emocional de Goleman, que enriquecerán el enfoque y la práctica.

09:30 a.m.
Bienvenida a cargo de Rondy Torres, director de la Escuela de Posgrados de la Facultad de Artes y Humanidades, Universidad de los Andes

Mesa 1: Poéticas y nuevas narrativas | Moderador:

10:00 a.m. Poéticas a  fuego | karen Hincapié

10:15 a.m. Indagación: el acercamiento a la locura en El infarto del alma | Valentín Castellanos

10:30 a.m. Escritura conceptual en Había mucha niebla o humo o no sé qué, de Cristina Rivera Garza | Alexander Castillo

10:45 a.m. Ronda de preguntas

11:00 a.m. Receso

Mesa 2: Género, mujeres y feminismos | Moderadora: 

11:10 a.m. Brujería zoológica y música de marimba | Ana María Ortiz
11:25 a.m. Visos del ser autobiográfico, escritor y depresivo en La Campana de cristal de Sylvia Plath | Finn Ale Álvarez
11:40 a.m. Feminismos en la teoría musical: autocrítica disciplinar y modelos nacientes del análisis musical | Jorge Cortés
11:55 a.m. La música de Teresa Tanco | Juan José Paz

12:05 m. Ronda de preguntas

12:30 m. Almuerzo

Mesa 3: Discusiones regionales en la cultura y política colombianas | Moderador: 

02:00 p.m. El estado del arte de las discusiones sobre la champeta | Nathaly Gómez
02:15 p.m. El caso del vencedor | Juan Daniel Vargas
02:30 p.m. Análisis lingüístico y pragmático de la cuenta de X de Gustavo Petro en su primer año de gobierno | Jamat Muñoz
02:45 p.m. El anti-heróe romántico: Arturo Cova y el fracaso del paternalismo civilizatorio en La Vorágine | Jimmy Moreno
03:00 p.m. Ronda de preguntas

03:15 p.m. Receso

Mesa 4: Antropoceno en perspectiva | Moderador:

03:30 p.m. Chat GPT y la muerte del autor: reflexiones sobre la autoría en textos generados por herramientas de Inteligencia Artificial | Jorge Mario Sánchez
03:45 p.m. La posibilidad del mañana en el tecnoceno: una visión del net art como dispositivo emancipatorio | Jerónimo Sepulveda
04:00 p.m. Mandíbulas Moorales: sobre la iconografía frenologica en los memes de internet | Alek Conrad
04:15 p.m. Como si de regresar se tratase: una aproximación a lo divino a través de la liminidad entre la vida y la muerte | Monica Vilá
04:30 p.m. Ronda de preguntas

Mesa 5: Teorías transversales de las Artes y Humanidades | Moderador

10:00 a.m. Un catálogo de agrieras : elementos para una teoria del pensamiento reaccionario | Juan David Fonseca

10:15 a.m. La rememoración como estrategia ético-ontológica en Walter Benjamin | Andrés Marín

10:30 a.m. Histopoética del vivir: expresiones inmanentes de lo sagrado | Diana Gómez

10:45 a.m. Ronda de preguntas

11:30 a.m. Receso

Mesa 6: Multilingüísmo y pedagogía| Moderador: 

11:10 a.m. Evidencialidad y modalidad en la lengua Ikun | Any Luz de la Cruz

11:25 p.m. Políticas lingüísticas de familias de niños y niñas sordos usuarios de Lengua de señas colombiana y español: estudio de casos | Isabel Pinilla

11:40 p.m. La historia de vida, el intercambio estudiantil y la identidad profesional: el estudio de caso de una docente de lenguas en formación que enseñó ELE en Trinidad y Tobago| Óscar González

11:55 p.m. Narrativa pedagógica y violencia en el Caquetá | Diego Barrera

3:15 p.m. Ronda de preguntas

12:30 p.m. Receso

Mesa 7: Pasados y presentes en las Artes y las Humanidades| Moderador: 

2:00 p.m. El erotismo en la obra de Henry Scott Tuke | Samuel Muñoz

2:15 p.m. La sombra de un retratista olvidado: valoración del Archivo fotográfico Juan Nepomuceno Gómez del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) | Juan José Santana

2:30 p.m. Guia de obsequios diplomáticos en Bogotá | Andrés Suárez

2:45 p.m. Hacia una comprensión estructural de Estambul, ciudad y recuerdos de Orphan Pamuk | Cristian Prieto

3:00 p.m. Y la tierra suspiró y decidió optar por la vida. El paisaje en Lo que la violencia se llevó de Julio Daniel Chaparro | Ethel Ballesteros Reyes

3:15 p.m. Ronda de preguntas

3:30 p.m. Receso

3:45 p.m. Charla de despedida (Fernando Serrano)

La presente propuesta poética aspira a compartir una postura estética y política desde la mirada de la foránea y sedentaria campesina, estudiante y obrera. Hay recorridos por territorios de nacimiento, regiones a las que me refiero como úteros y cunas. Me detengo en la gesta de la vida en el campo y en los cambios temporales propios de las dina micas geográficas que han sido atravesadas por las formas de vida urbanas y por límites sociales impuestos y legitimizados desde los más privilegiados. Hablo aquí de atmósferas en las que me re-pienso y me re-habito, activa y constantemente, para culminar con la invitación a lectores y espectadores a vislumbrar, a través del prisma de la poesía, praderas sin cercados de posibilidades para provocar nuevas la minas sin moldes ni modelos. De forma versificada y prosódica, repelo las huellas camufladas y decoradas de violencias sistemáticas, controles sociales y subjetivos, y cohesiones colectivas —propios a la gubernamentalidad ejercida en el país— que han menoscabado los grupos poblacionales más vulnerables durante generaciones. Por sobre todo, quiero inducir en mis lectores una auto-reivindicación poética para ten irnos de ti, país de la poesía.

La presente investigación estudia la aproximación a la locura, por medio de las interrelaciones entre la literatura y la fotografía que se establecen en el libro El infarto del alma de Diamela Eltit y Paz Errázuriz. Se propone abordar la obra desde el género del foto-ensayo, para lo cual se explora el carácter ensayístico tanto de las imágenes como de los textos en conjunto. Además, se evidencia que el ensayo es una forma que posibilita a las autoras expresar la ausencia o la transgresión de las fronteras que caracteriza a la locura, según la propuesta estética de las autoras. Finalmente, se revela la presencia de contradicciones, a partir de las cuales se señala que la estética del libro no se limita únicamente a la idea de “atravesar fronteras”, sino que se fundamenta en la paradoja. Este análisis contribuye a la comprensión de El infarto del alma como una obra intermedial, utilizando el foto-ensayo como lente para explorar las complejidades de la representación de la locura.

Esta ponencia presenta uno de los hallazgos relevantes de la investigación “Performar el archivo, las subjetividades y la escritura artística en Había mucha neblina o humo o no sé qué (2016), de Cristina Rivera Garza”, realizada en la Maestría en Literatura, de la Universidad de Los Andes, entre 2023 y 2024. Expone el modo en que la autora aborda lo poético en Juan Rulfo desde una perspectiva conceptual, entendiendo lo “conceptual” desde el ámbito de las artes plásticas, y, se toma como referencia la obra Chair, de Joseph Kosuth. La ponencia muestra cómo este gesto performativo lleva a Rivera Garza a convertirse en co- poeta junto a Rulfo, a la vez que busca que el lector se sumerja en el mecanismo artístico que propone, sin mediación explicativa, para que a través de este pequeño resquicio pueda percibir una muestra del horizonte poético rulfiano. La autora despliega sus formas poético- conceptuales de manera más o menos análoga a como lo hizo Rulfo; incluso, performa al lector siguiendo una preocupación similar a la empleada en Pedro Páramo. Es importante destacar que esta reflexión constituye un aporte significativo, ya que ningún estudio sobre Había mucha neblina o humo o no sé qué ha profundizado en ello, limitándose únicamente a calificar la obra de “experimental” y “vanguardista”. En esta ponencia se ensaya una explicación crítica de estos aspectos.

Esta ponencia busca acercarse a una reflexión teórica sobre el rol de las mujeres en las músicas de marimba del pacífico colombiano en cuanto a agentes de persistencia y resistencia de las comunidades afropacíficas pese a ser sujetas de múltiples opresiones imbricadas. Se revisará la “animalización” del hecho musical, donde categorías aplicadas a estas músicas como “ruido”, “degradación” o “malignas” pueden seguir siendo parte de un del racismo arraigado desde las lógicas de la colonia que en su momento excluyeron estás músicas hasta los fenómenos de hibridación o apropiaciones de las músicas de marimba, para situarlas dentro de las hegemonías sonoras y validarlas en el mercado musical.

«La Campana de Cristal» apareció como una recomendación literaria mientras buscaba qué libros comprar para sobrevivir a mi depresión estacionaria en diciembre. Lo leí en una semana, y al final rompí en llanto porque algo se había fragmentado dentro de mí. No quiero sonar cliché, pero me identifiqué tanto con Esther Greenwood y su desesperanza, manejo de la frustración, maneras de relacionarse con las personas e incertidumbre con el futuro que, aquel final abierto en el que Esther Greenwood entra a una sala llena de psiquiatras que decidirán si ella está lista para regresar a su vida fuera de la clínica de reposo, me dio un poco de esperanza. Luego supe que Sylvia Plath se suicidó metiendo su cabeza en el horno, con el gas fluyendo, al mes siguiente de la primera publicación de la novela que tenía entre mis manos aquel diciembre. Por tanto, en esta ponencia, pretendo dilucidar cómo algunos visos de la depresión, la escritura y la autobiografía se pueden ver en «La campana de cristal» de Sylvia Plath

La implementación de perspectivas feministas en la teoría musical surge como parte de una necesidad reciente de diversificar y generar inclusión más allá del canon masculino europeo. Debido a que esta área ha sido manejada predominantemente por teóricos y analistas hombres y donde además se estudian con mayor frecuencia compositores de sexo masculino, la inclusión del feminismo permite escuchar y entender la teoría musical desde otras posturas y voces, enriqueciendo y develando nuevas formas de analizar música como también de generar autocrítica en la disciplina. De esta manera, se proponen una discusión del estado reciente del feminismo en la teoría musical abordando referentes como Susan Mclary, Fred Everett Maus, Rachel Lumsden, Ellie M. Hisama y Danielle Sofer.

Recuperación de la obra musical de la compositora colombiana del s. XIX Teresa Tanco Cordovéz de Herrera. Muy poca música se ha recuperado sobre esta compositora y pianista. Actualmente se está trabajando en la recuperación de una obra para voz y piano llamada «melodía», pero este proyecto tiene como objetivo final la recuperación (digitalización) e interpretación de su zarzuela Similia Similibus, la cuál se presentó en bogotá por última vez el 24 de Octubre de 1958. Recuperar la obra musical de Tanco ampliará cada vez más el panorama musical de la Colombia del s. XIX.

«En esta ponencia presenta un estado del arte de las investigaciones que se han producido alrededor de la champeta en los últimos veinte años. La champeta puede entenderse como un género musical, un movimiento social cultural y una industria localizada de costa Caribe colombiana. La revisión de este material académico fue clasificado y analizado a partir de las líneas desde las cuales han transitado las miradas de los investigadores. Estas son: la relación de la champeta con la identidad negra; las dinámicas comerciales, tecnologías, valores, sentidos y usos; el análisis musical comparativo de este género con otros; la participación de la mujer y las reflexiones contemporáneas. De estas líneas, la primera ha sido el principal énfasis desde el cual se ha indagado el estudio de este tema.
Finalmente, se espera que a raíz de la presentación de este balance de conocimiento acumulado sobre la champeta, la comunidad académica e interesados continúen con la indagación sobre este tema y a su vez pueda alentar futuras preguntas e investigaciones. «

El Vencedor fue un barco que se hundió el tres de septiembre del año 1961 en la ciudad de Buenaventura, este navío zarpó de la playa «la Bocana» en donde se realizaba el primer festival folclórico del lugar, a mitad del camino se encontró un barco transatlántico el cual, generó una conmoción por parte de los pasajeros del Vencedor, causando que este perdiera su equilibrio y se hundiera. A este accidente (uno de los más grandes de la historia de Colombia) se le realizó una canción titulada «El caso del Vencedor», Siguiendo la historia de esta composición y sus diferentes versiones, se hace un recuento sobre los últimos 60 años de la historia musical de Buenaventura, y en especial, la vida y obra del maestro Jairo Polo, guitarrista eléctrico de gran relevancia para la historia musical del puerto y además, uno de los pocos sobrevivientes del accidente. Mediante un corto documental y una serie de composiciones musicales, este trabajo retrata la vida y obra del maestro Polo y recopila una investigación de siete años sobre la música de Buenaventura y sus distintas expresiones sonoras.

El discurso muestra una forma de poder, el discurso político evidencia una clase de dominación, ya que se da desde un lugar de decisión sobre los otros. Es así que, entre las estrategias utilizadas para este fin y la aceptación del mismo por parte de los votantes se utiliza el lenguaje retórico, en este caso, se analiza la metáfora conceptual, también, la legitimación propia y la deslegitimación de otros. El presente trabajo tiene como objetivo describir desde enfoques lingüísticos y sociodiscursivos los sentidos de los tuits publicados por el actual presidente de Colombia Gustavo Petro, en su primer año de gobierno. Entre los posibles resultados se encuentra el uso de la deslegitimación de los otros partidos no afines a las reformas propuestas por el gobierno, la agrupación de metáforas conceptuales en sus tuits.

Me gustaría revisar el paternalismo civilizatorio de Arturo Cova en La vorágine. Primero, estudiaré la metonimia «patria-paternalismo» presentada por Doris Sommer respecto de las novelas de fundación nacional. Luego, analizaré la personalidad de Cova y cómo este representa un (anti)héroe romántico. Finalmente, formulo que el deterioramiento interno de Cova se exterioriza en los límites de la patria con respecto a la «selva» y los «salvajes». Así, sostengo que paternalismo-patria tienen la intención de control y ordenamiento sobre los territorios «selváticos» y sus poblaciones, pero en el quiebre del protagonista en la novela, la alteridad del Otro se presenta para cuestionar los límites de Cova y de la nación colombiana.

Los modelos de lenguaje de gran tamaño (LLM), entre los que destaca ChatGPT, poseen una capacidad sorprendente para abordar una gran variedad de tareas relacionadas con el uso del lenguaje, desde la generación de textos de todo tipo hasta la creación de código computacional. Hoy no es raro encontrar textos generados por estas herramientas en diversos ámbitos: académico, periodístico, publicitario, etc. Para poder cumplir con estas funciones, los LLM son entrenados con una cantidad realmente enorme de textos recopilados de la web, lo que les confiere la capacidad de prever la aparición de una palabra a partir del contexto proporcionado por las palabras anteriores. Es decir, estos sistemas aprenden a “escribir” mediante la “lectura” de una cantidad colosal de textos. Debido a su proliferación actual, los textos generados por los LLM pueden desafiar las nociones tradicionales sobre autoría y sobre la figura del autor, hasta el punto de que podrían volverlas obsoletas. En ese sentido, en esta ponencia pretendo reflexionar sobre la figura del autor en los textos generados por ChatGPT y modelos similares, partiendo de las aproximaciones teóricas de Roland Barthes en “La muerte del autor” (1968) y de Michel Foucault en “¿Qué es un autor” (1969).

Este trabajo pretende hacer una revisión a un dispositivo emancipatorio fallido. Esto con el fin no solo de preguntarnos por los motivos de su falla, sino por las supervivencias que pueda tener en el futuro y las maneras en las que este pueda ser usado como estrategia para buscar nuevas formas de emancipación en el mañana. Se trata del NetArt que fue un conjunto de prácticas artísticas que se gestó entre los años 1990 y 2010 y que nació como un dispositivo tecnológico-artístico que buscó y promovió el activismo y la protesta. Este fenómeno no fue ajeno a América Latina en donde encontró una prolífica red de activistas que lo usaron como un artefacto de creación (de comunidad, de crítica, de resistencia y de politización). Indagar en el netart, que fue un arte desmaterializado, sin sujeto y sin original, supone indagar en el archivo de las causas que lo desarticularon y neutralizaron su agenciamiento político. Quizás si se realiza esta tarea, la de sondear en los motivos y potencias de su causa, podamos entender que nuevas relaciones entre el sujeto, su lugar de enunciación y la tecnología son posibles y que pueden resultar contra-hegemónicas. De esa manera, planteo una revisión de las propuestas del netart latino como una forma de pensar el tecnoceno, es decir, pensar en lo que está por venir, en el mañana, en la catástrofe, pero también en una posibilidad postcapitalista.

Este proyecto de Humanidades Digitales se centra en investigar la presencia e influencia de la iconografía frenológica en los memes de internet .A través de métodos computacionales, se analizan y comparan colecciones de memes obtenidas de Know Your Meme con imágenes extraídas de manuales de frenología del siglo XIX y principio del siglo XX. El estudio combina metodologías cuantitativas y cualitativas, permitiendo un análisis robusto que abarca desde una perspectiva amplia hasta un enfoque más detallado. Este estudio arrojará luz sobre la intersección entre la frenología y la cultura digital a través del uso de imágenes icónicas y su importancia en la retórica visual de internet. Además, se explorará cómo los memes de internet, como formas de expresión cultural, se relacionan con conceptos más antiguos y cómo su investigación ha evolucionado en el contexto post APIcalypse. Esta investigación contribuirá al entendimiento de la cultura visual en línea y su conexión con el pseudociencias y teorías ultrapasadas, al tiempo que proporciona una visión crítica sobre la apropiación y reinterpretación de íconos de otros periodos en la era digital.

Como si de regresar se tratase, tesis en la Maestría en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional comprende dos partes. La primera es una video instalación que propone explorar, a través de la presencia y figura del árbol, la liminalidad entre la vida y la muerte, y una simbólica aspiración por la visión de lo divino. Utilizo la materialidad propia del video (el tiempo y la luz) para generar un espacio de contemplación y reflexión; me baso, en parte, en las etapas de la oración contemplativa: purificación, contemplación y visión de lo divino. De igual manera, me baso en la figura del sudario de Turín para hacer sudarios ficcionales (valga la redundancia) de árboles, cuya presencia dentro del espacio de la instalación es predominante y relacionada con una fuente de luz natural. El segundo componente de la tesis, que hace parte del documento escrito, es un tomo de escritura ficcional en el que, a través de la palabra reflexiono sobre la muerte, la búsqueda de lo divino y los árboles. Utilizo a un narrador relativamente omnisciente que observa a una niña que hace y a la que le suceden diferentes cosas relacionadas con los temas que abordo.

«El propósito del presente trabajo es esbozar los aspectos preliminares de una teoría del pensamiento reaccionario. La idea es rebatir aquellas posturas que contemplan dicha forma de pensamiento como un mero conservatismo radical o nostalgia por el pasado en el marco del hito moderno europeo desde el siglo XVIII.
Partiendo de la premisa de que el pensamiento reaccionario tiene antecedentes desde la antigüedad clásica, se desarrolla un trabajo teorético que busca la especificidad de sus perspectivas a la par que caracteriza a algunos de sus referentes siguiendo el registro de historiadores como Diógenes Laercio.
El argumento central de este trabajo, es que hay varios puntos de encuentro entre varios de dichos referentes, lo que permite pensar que este pensamiento posee premisas compartidas a pesar de los desarrollos variados según el autor. De igual forma, se busca visibilizar la profunda incomprensión que existe alrededor de un tipo de pensador hoy proscrito, que sin importar su aislamiento, siempre termina por reeditarse sin importar el ambiente ideológico o el contexto político en el que se desenvuelva. «

La obra del filósofo alemán Walter Benjamin está atravesada por el propósito de configurar una historia a contrapelo, esto implica la construcción de un modelo «constelacional» historiográfico que permita realizar la redención (erlösung) de los vencidos. Este modelo requiere de una estrategia que realice el derecho en la experiencia histórica de las generaciones que nos antecedieron, que se presentaron como posibles pero que fueron frustradas. Esta estrategia es la estrategia ético-ontológica de la rememoración (eingedenken). En el contexto histórico latinoamericano la tarea de la redención ante la herida colonial implica asumir este modelo historiográfica. Nuestro trabajo pretende responder a las preguntas, qué pasaría con la herida colonial ante el reto de la redención si aplicamos la rememoración como regla historiográfica? qué tipo de tiempo y sentido histórico se abre por la rememoración? qué consecuencias se abren ante la herida colonial?

La presente ponencia se enmarca en la propuesta doctoral de investigación en Pensamiento Ambiental dentro del Doctorado en Estudios Ambientales de la Universidad Nacional de Colombia sede Manizales. Allí se pretende analizar las condiciones que desde la histología permiten la configuración del concepto de histopoética como posibilidad de poner en diálogo la ciencia y el arte y a través de este vínculo abordar lo vivo como expresión inmanente de lo sagrado. A través de una metodología cualitativa descriptiva, el estudio busca establecer una relación entre la estética, la histología y el pensamiento ambiental, como camino sensible para la contemplación de la vida desde la categoría de los tejidos que conectan lo vivo.

Colombia posee una vasta riqueza lingüística con más de 60 lenguas nativas, entre las que se encuentra la lengua ikʉn, cuya gramática ha sido poco estudiada. Sin embargo, se destacan los trabajos de Frank (1990, 2008) y Landaburu (2000), según los cuales existen unos morfemas que expresan evidencialidad o modalidad epistémica. Este tema no se ha estudiado a profundidad en esta lengua ni en otras pertenecientes a la misma familia, por lo que el presente trabajo sería un aporte a los conocimientos en esta área. Su objetivo principal es describir desde una perspectiva funcional-tipológica el sistema de evidencialidad y/o modalidad epistémica en lengua ikʉn, mediante un análisis morfosintáctico y semántico de habla espontánea y elicitada, en la que se haga evidente esta categoría.

La política lingüística familiar (PLF) se entiende como el estudio de las decisiones sobre las lenguas en los hogares, las ideologías por las que se toman esas decisiones y las prácticas lingüísticas que se realizan de acuerdo con las mismas. Este proyecto se enfocará en tres familias con hijos sordos usuarias del español, de la Lengua de Señas Colombiana (LSC) y de ambas lenguas, con el objetivo de describir sus PLF para ampliar el conocimiento sobre las maneras en que 1) se lidia con la potencial privación lingüística asociada a la sordera y 2) se transmite la LSC, teniendo en cuenta que esta presenta condiciones sociolingüísticas particulares. Se emplearán la observación y participación en prácticas comunicativas, la construcción de biografías sociolingüísticas y la aplicación de entrevistas semiestructuradas. Se espera contribuir al estudio de la lingüística de la LSC en el país, conociendo la escala individual en que se transmite la lengua. Los resultados podrían ser útiles a familias que necesiten información para mejorar las oportunidades de acceso al lenguaje de sus familiares sordos y minimizar el riesgo de privación y retraso del lenguaje.

Esta propuesta investigativa busca indagar que informa una historia de vida sobre como la participación en un intercambio estudiantil para enseñar español como lengua extranjera (ELE) en Trinidad y Tobago forma la identidad profesional docente. Este es un estudio de caso de tipo intrínseco – descriptivo que se realizó con un participante que accedió a ser parte de esta investigación. Es importante mencionar que el enfoque de esta investigación es cualitativo y que el principal instrumento de recolección de datos fue la entrevista narrativa. Este instrumento se aplico en tres momentos: la primera entrevista buscó ahondar en las percepciones que el participante tenía de realizar el intercambio, la segunda, buscó indagar en su experiencia durante el intercambio y la tercera, buscó saber que posibles rasgos cambiaron en su identidad profesional docente después de vivir el intercambio. De cada entrevista se construyó una narrativa, las cuales se entrecruzaron y analizaron usando la técnica de análisis de contenidos. Los resultados muestran que la experiencia de intercambió puede configurar la visión de mundo del maestro de lenguas que enseña español en otro territorio, haciéndolo más consciente de la importancia de conocer cómo funciona su lengua materna y de conectarse con su cultura.

Los motivos por los cuales se decidió hacer este trabajo radicaron en que la reconstrucción del saber pedagógico, a través de narrativas de las experiencias escolares en una zona de conflicto (Florencia, Caquetá), permite reconocer y reflexionar sobre las prácticas que realizan los profesores para enseñar y los estudiantes para aprender los aspectos formativos e instructivos vigentes en el proyecto educativo de la sociedad y la época en las que los estudiantes participantes aprendieron sus primeras letras. La reflexión que se produce en el acto de narrar las experiencias de aprendizaje consiente identificar los saberes que se ponen en juego en el acto educativo, propicia el análisis de las formas de ser, pensar y actuar en el trabajo docente, favorece la revisión de lo vivido para proyectar la adaptación de las prácticas de enseñanza a las exigencias de la realidad educativa concreta y propone memoriar los acontecimientos de acuerdo con el contexto de los individuos.

Desarrollo del tema de la tesis de pregrado en Historia sobre Henry Scott Tuke (1858-1929), un pintor inglés que alcanzó reconocimiento hacia el final de la era victoriana. Sus pinturas figurativas empleaban técnicas impresionistas y naturalistas y la mayoría de ellas se centraban en un solo tema, la representación del cuerpo masculino. Su tipo de modelo era uno joven, pálido, de físico esbelto e imberbe, usualmente los representaba desnudos y en ambientes marinos, dedicados al nado, a asolearse o a la pesca, actividades comunes en su estudio en una aldea de Cornualles. La obra de Tuke está orientada a captar la belleza masculina y los atributos de la juventud. Sus desnudos se consideraron celebraciones de la virilidad y salubridad de la juventud inglesa, así como ejemplos de un ideal de belleza clásico altamente valorado entre los victorianos para quienes los antiguos griegos eran una de las más refinadas civilizaciones. El trabajo está orientado a responder ¿De qué manera fue interpretada por sus contemporáneos la obra de Henry Scott Tuke? Encargándonos de esa cuestión encontraremos convergencias entre la apreciación por la estética clásica y la belleza masculina.

A pesar de las iniciativas de sistematización y registro, así como las acciones de conservación preventiva realizadas por diferentes instituciones, el Fondo Fotográfico Juan Nepomuceno Gómez resguardado en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) no solo no cuenta con una base de datos detallada que facilite su preservación y consulta, sino que tampoco se reconocen sus valores patrimoniales y su relevancia como documento de investigación para la reconstrucción de la historia del país. Por este motivo, este proyecto buscará comprender los valores de esta colección para el patrimonio fotográfico en el país. Para esto, se empleará una metodología cualitativa enfocada en la identificación de la composición de ese archivo fotográfico. Como resultado, se determinarán los criterios y valores marco que, de acuerdo con el Decreto 1080 de 2015, se pueden aplicar a la obra de Juan Nepomuceno Gómez. Este trabajo tiene un gran valor para el campo de estudio, dado que permitirá comprender rigurosamente por qué esta colección fotográfica habla de una perspectiva única de la historia del país y, por tanto, por qué debería conservarse para la posteridad.

«La Guía de obsequios diplomáticos de Bogotá es una mirada a la historia perdida de un grupo de esculturas en la ciudad. Propone un recorrido por elementos que hacen parte del acervo escultórico de la ciudad, adentrándose en las donaciones y obsequios realizados por misiones diplomáticas en torno a la representatividad de sus pueblos y a la fraternidad en las relaciones tanto con la ciudad como con Colombia.

La intención del proyecto es rescatar la historia y conocer los lugares por los que circulamos, pero en los que pocas veces nos fijamos o cuestionamos acerca de su llegada y/o instalación. A la vez que constituye un diálogo con el espacio urbano y la manera en que las piezas son vistas por los espectadores/transeúntes.

El recorrido se plantea inicialmente de modo virtual para que las personas interesadas puedan adentrarse en varios conceptos relacionados: monumento, arte, obsequio, diplomacia y espacio público. Este ejercicio cartográfico indaga y se cuestiona sobre la historia de la ciudad, las relaciones gubernamentales y la manera en la que el arte ha servido de instrumento para la consolidación de estas.»

El presente artículo de investigación tiene como propósito realizar un análisis de la tensión presente en la estructura formal de Estambul, ciudad y recuerdos (2006) de Orhan Pamuk en cuanto que la obra se presenta como unas memorias que contienen una escritura autobiográfica y de novela de aprendizaje. Las memorias muestran a Orhan Pamuk como ejemplo de la clase republicana del siglo XX, cuya coyuntura histórica se revela como una oportunidad para describir su mundo a través de la dicotomía Oriente – Occidente. Así, la reflexión del héroe escindido por las dos tradiciones culturales, históricas, políticas y literarias tiene una oportunidad de revisar sucesos externos (como la caída de Constantinopla o del Imperio otomano) e internos (el primer amor, su abuela, su familia, el dibujo, la literatura) mediante un texto, Estambul , que describe, analiza e interpreta un pasado personal y público desde lo literario.

Esta investigación tuvo como objetivo reflexionar sobre la configuración del paisaje en la serie Lo que la violencia se llevó, proyecto periodístico desarrollado por Julio Daniel Chaparro. Esta serie consta de cuatro crónicas que exploran las vivencias en diversas regiones de Colombia, afectadas por las masacres perpetradas por distintos grupos armados. La teoría de la topofilia de Yi Fu Tuan sirvió como base para analizar el vínculo afectivo que une a las personas con su entorno y la forma como la violencia permea la concepción que tienen las personas sobre el lugar. Además, se analizaron las actitudes hacía el entorno de los protagonistas de las crónicas, desde los componentes cognitivos, afectivos y conductuales para determinar la visión de mundo que surge de su experiencia en contextos violentos.