Galerías sonoras: ¿Cómo se mueve un cuerpo que no sabe de dónde viene? 

¿Cómo se mueve un cuerpo que no sabe de dónde viene? Es una obra que busca abordar esta pregunta a través de la voz, los sonidos, el cuerpo y las imágenes. Proponemos enfocar la discusión en el concepto de «Paisaje Afectivo», cuestionando la ruptura del vínculo recíproco de «afectar y ser afectado» con la naturaleza. Este lazo esencial es desdibujado por el capitalismo extractivista, que fragmenta el territorio y lo reduce a mera mercancía o servicio.

Esta misma lógica deshumaniza a las comunidades, tanto aquí como en otras partes del mundo, bajo intereses coloniales y políticos. Al romper este vínculo afectivo con la Tierra, nos acercamos a un punto de no retorno como humanidad y como ecosistema.

Proyecto ganador de la convocatoria de «Galerías Sonoras» de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

Martes 2 de diciembre de 2025 a las 6:00 p.m. en NADA (calle 69 # 10a – 09)

Juana Monsalve, profesora del Departamento de Música

Diana Rodriguez, estudiante de MAPET

Juan David Guerrero, estudiante de MAPET

Apoyo videos: Luis Cano

Apoyo paisaje sonoro: Nicolás Gutiérrez

Apoyo producción museográfica: Hugo Herrera

Apoyo mezcla visual: Mayra Carbajal

Moderación del conversatorio: Paulo Ilich Bacca

Entrada libre hasta completar el aforo

Egresada Ana María Patiño participó en el II Congreso Internacional del Centro de Estudios del Esoterismo Occidental de América Latina

La egresada del programa de Arte e Historia del Arte, Ana María Patiño Sánchez, participó como ponente en el II Congreso Internacional “El Esoterismo Occidental en (y desde) América Latina”, realizado en la Universidad Federal de Santa María (Brasil). En esta edición también participó Jerónimo Pizarro, profesor de la Facultad de Artes y Humanidades, quien fue, junto con ella, uno de los dos ponentes colombianos del encuentro.

Un espacio para ampliar el estudio del esoterismo desde la región

El congreso reunió investigadores de arte, literatura, filosofía y antropología para reflexionar sobre el esoterismo occidental desde América Latina. Ana María destacó que este espacio permitió fortalecer redes regionales, discutir enfoques decoloniales y abrir nuevas perspectivas para el campo. Su participación surgió tras su experiencia en el curso de verano Arcane Worlds de la Universidad de Ámsterdam, donde estableció vínculos académicos que impulsaron su investigación.

Para ella, la presencia latinoamericana es clave: “Nos permite cuestionar el adjetivo ‘occidental’ y enriquecer el campo con miradas propias, históricamente excluidas”. El congreso también le permitió conectarse con investigadores afines y conocer nuevas líneas de trabajo en la región.

Sobre su investigación: “La supervivencia de lo monstruoso”

Ana María presentó los resultados de su tesis “La supervivencia de lo monstruoso” (2021), un estudio sobre las representaciones de lo monstruoso en narrativas vinculadas a la alteridad, la violencia y el conflicto en Colombia. Analiza procesos de monstrificación y automonstrificación desde la Colonia hasta el siglo XX, a partir de crónicas, textos psico-históricos e imágenes de artistas como Luis Ángel Rengifo y Pedro Alcántara Herrán.

Su interés por el tema surgió al notar la recurrencia de motivos monstruosos en las representaciones del conflicto. Entre sus hallazgos, destaca la continuidad entre imaginarios coloniales —como la llamada “melancolía indígena”— y categorías modernas como el “antisocial”, mostrando cómo lo monstruoso sigue operando en la construcción de identidades y alteridades.

La relación con los estudios esotéricos aparece en la indeterminación y marginalidad compartida entre ambos campos, que permiten estudiar saberes y formas de representación históricamente relegadas.

Participación colombiana y proyección académica

Representar al país en el congreso significó para ella “una gran felicidad y un reconocimiento al valor del tema”. Señaló además el apoyo del profesor Jerónimo Pizarro, con quien compartió mesa y redes académicas.

Ana María planea publicar una versión ampliada de su investigación y considera que podrían surgir colaboraciones futuras entre la Facultad y los grupos de estudio brasileños, especialmente en temas de esoterismo, colonialidad y territorio.

Como mensaje final para estudiantes y profesores interesados, invita a explorar este campo:
“Es un espacio flexible y riguroso para investigar aquello que ha quedado por fuera de las narrativas oficiales”.

Ketlly Bautista, egresada del Pregrado de Narrativas Digitales, fue parte del programa Voices from the South: Storytelling for Impact de CNN Academy program. Un programa que forma a narradores del sur global para contar historias urgentes sobre salud y crisis humanitarias, con profundidad, contexto e impacto.

El programa se desarrollo en dos fases: una primera fase virtual (julio a octubre de 2025), con cursos en línea para fortalecer habilidades narrativas y presentar una propuesta de proyecto audiovisual y un pitch. Quienes sean seleccionados pasarán a la segunda fase presencial en Abu Dabi, que incluye entrenamiento práctico en periodismo de campo y una simulación de cobertura de salud global.

Para comprender la experiencia de Ketlly en el programa, realizamos la siguiente entrevista:

¿Puede contarnos sobre el programa?

Ketlly: CNN Academy y el programa Voices from the South. Se trata de una experiencia pedagógica centrada en el quehacer periodístico, estructurada en 12 módulos con un hilo narrativo común. Los primeros temas abordan la ética en el periodismo y el arte del storytelling. Y digo “arte” no porque sea algo reciente o novedoso, sino porque narrar historias ha existido desde siempre: es una capacidad humana para transmitir experiencias, culturas y memorias a través del tiempo. Precisamente por su poder, el storytelling implica también ética y responsabilidad.

Los módulos me parecieron exquisitos en términos de información y reflexión. CNN Academy, programa de la organización que viene de una de las cadenas más grandes de periodismo global y digital: el CNN News, también parte de una mirada occidental y conservadora que se ve obligada a reinventarse frente a los cambios del oficio. Eso lo hace interesante: combina aprendizajes de quienes trabajan en contextos globales y convulsionados, con temas como breaking news, periodismo en campo en escenarios de guerra, violaciones a derechos humanos, migración y, dentro de ellos, la salud. Que no es el único tema que tratamos allí en el curso.

En este punto, me parece clave subrayar que el curso invita a ampliar la noción de salud, sí, pero en general como se cuenta el mundo cuando hay ojos humanos y digitales. No se limita a hospitales, batas azules o salas de urgencia; también está en el primer contacto con el mundo, en cómo cuidamos cuerpo y mente en contextos violentos, y en cómo nos mantenemos abiertos para narrar historias que, en ocasiones, son dolorosas. Los casos de estudio que presenta CNN Academy lo muestran con claridad: desde el hacinamiento en cárceles, la deportación y encarcelamiento de migrantes en condiciones precarias, hasta escenarios de tortura o subasta humana. Hablar de salud global es hablar de realidades profundamente interconectadas con otras problemáticas sociales.

¿Cómo ha contribuido la fase virtual del programa a fortalecer sus habilidades de narración y comprensión de los temas de salud global?

K: Cada módulo ha sido clave. Más allá del reporteo en campo, he aprendido técnicas de storytelling digital, escritura para entornos virtuales y, sobre todo, estrategias para llegar a la audiencia. Esto último es fundamental: no basta con entrevistar, verificar o cuidar la fuente; también es necesario pensar cómo las historias llegan a las personas. El curso incluye herramientas prácticas como SEO (Search Engine Optimization), social storytelling, escritura de guiones para televisión, investigación en fuentes abiertas (open source, que es una de mis especialidades en mi pasantía en 070), y el uso de inteligencia artificial que es el aliado y cuasi «enemigo» en un mundo polarizado y con la realidad alterada. Todo esto me ha permitido actualizarme en un oficio que, aunque siempre será contar historias, cambia constantemente en formatos y lenguajes.

Voy por la mitad del curso, y aunque requiere un esfuerzo grande compatibilizarlo con un trabajo de tiempo completo, me resulta profundamente enriquecedor. Particularmente en lo relacionado con salud en el Sur Global, me deja aprendizajes claros: antes de narrar una problemática, debo preguntarme si mi relato le hace justicia, si aporta y si mantiene un criterio ético. En CNN Academy se reconoce que la total imparcialidad no existe, pero se insiste en un periodismo con criterio, capaz de defender derechos humanos y de narrar desde una postura responsable.

¿Qué temas de ínteres le llamán la atención para desarrollarlos como proyectos audiovisuales a partir de su experiencia en la residencia?

K: Veo dos grandes posibilidades: el mundo de lo social y el de la salud global.

En mi caso, hay un tema que me conecta profundamente: el sistema de salud colombiano, visto desde el bienestar, las políticas de cuidado y las dinámicas de cuidado entre las personas. Es un asunto que he venido persiguiendo y que quisiera explorar más en el contexto colombiano. Aunque en la academia se han estudiado estas cuestiones desde diferentes enfoques, me parece fundamental narrarlas porque el pitch, al final, es para construir una historia audiovisual.

¿Cómo hablar de eso? A partir de narrativas digitales, que es lo que más me apasiona: encontrar personajes, trabajar con mis fuentes y narrar en comunidad lo que hacemos. Por ejemplo, me interesa mostrar cómo las mujeres asumen los roles de cuidado, no solo en el ámbito privado, sino también en la sociedad colombiana, y cómo estos roles están directamente atravesados por factores culturales y de género. Quisiera explorar ese cruce y llevarlo a un formato de mini documental desde mi práctica de storytelling, para mostrar cómo esas experiencias derivan en un sistema de salud más amplio. Sé que todavía es un tema muy grande y necesito afinar el ángulo, pero lo considero prioritario.

Si me voy más hacia lo social, también pienso en Bullosas, el proyecto que creé en torno a las mujeres en la música. El tema de género es muy importante para mí porque lo vivo en carne propia: me duele el impacto que tiene ser mujer dentro de industrias de comunicación y también en la música. Allí se reproducen roles de género que alimentan discursos dominantes, pero también existen prácticas que transforman esos discursos y que vale la pena contar.

Algo que estoy aprendiendo en CNN Academy es que muchas veces el periodismo se percibe como algo duro, difícil, que solo relata historias tristes. Y yo quisiera, a través de estos temas, poder exaltar también lo que se está haciendo bien en la sociedad para cambiar narrativas de género, especialmente en industrias creativas como la música. Ese cruce entre periodismo, género y cultura es también uno de mis intereses prioritarios.

¿Cómo está afinando sus intereses y explorando posibles proyectos periodísticos para amplificar las voces del Sur Global?

K: Esta es una etapa de búsqueda y aprendizaje. Más que proyectos concretos, en este momento hay intereses y temáticas en proceso de afinación. Por ejemplo, interesa contar historias a través del videojuego: explorar cómo se puede narrar la resistencia del Sur Global en contextos de violencia usando formatos interactivos. También resulta clave el activismo social en Colombia, un tema complejo porque el periodismo aquí implica riesgos reales y exige procesos cuidadosos para encontrar, elegir y desarrollar una historia. Herramientas formativas como CNN Academy o los cursos de narrativas digitales ayudan precisamente a ese proceso: encontrar la historia, construirla, elegir un ángulo y desarrollarla con criterios éticos.

Otro eje central serían los derechos humanos: narrar cómo, en contextos de éxodo y desplazamiento, nuestra mirada digital influye en la empatía o la indiferencia ante estas crisis, y cómo esas tensiones se expresan en resistencias y redes de cuidado que también merecen ser contadas.

También es de interés el cruce entre nuevas narrativas y audiencias jóvenes: cómo se cuentan hoy las historias en plataformas como TikTok, qué lenguaje usan las generaciones Z y posteriores, y cómo llegar a esas conversaciones. Relacionado con esto, la mentoría es fundamental: se busca explorar proyectos que incluyan formación y transferencia de técnicas narrativas a periodistas en formación.

Finalmente, en el plano profesional, hay un trabajo en el sector social como diseñadora de experiencias de aprendizaje, lo que abre la posibilidad de crear contenidos y programas que amplifiquen voces desde organizaciones y desde la filantropía social, combinando práctica periodística con diseño educativo para generar impacto.

La artista Pamela Loaiza Pérez, egresada de la Maestría en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo de la Universidad de los Andes, presenta su libro Consideraciones accidentales sobre la burocracia, el tiempo y todo lo demás, para su lanzamiento se organizó la exposición Principio de incertidumbre.

La publicación obtuvo el Premio para Libro de Artista de la Beca para Proyectos Editoriales Independientes en Artes Plásticas y Visuales 2025 del Programa Distrital de Estímulos de IDARTES de la Alcaldía de Bogotá. Su edición estuvo a cargo de La Jaula Publicaciones, editorial bogotana que trabaja con escritores, artistas visuales y músicos para dar vida a proyectos experimentales y de alta sensibilidad artística.

El libro propone un diálogo entre referentes del arte, la ciencia y la observación minuciosa de lo cotidiano. A través de esta convergencia, Loaiza articula un conjunto de reflexiones sobre las tensiones que regulan la experiencia humana: la burocracia, el tiempo y las múltiples capas que conforman la vida contemporánea. La obra despliega así un territorio donde la sensibilidad artística se entrecruza con metodologías rigurosas y especulaciones científicas, abriendo un espacio de exploración para aquello que escapa a toda certeza.

La exposición Principio de incertidumbre en Plural Nodo Cultural es el evento de lanzamiento del libro, que estará abierta del 20 al 27 de noviembre. Este proyecto colectivo amplifica y expande los diálogos del libro por medio de obras de lxs artistas Giovanni Vargas, Ana María Montenegro, José Sanín, Pablo Bermúdez, el colectivo Contaminación Cruzada y Pamela Loaiza. Desde lenguajes diversos —instalación, imagen, sonido, materialidades experimentales y procedimientos propios de la investigación artística—, las obras reunidas señalan la dificultad de comprender plenamente tanto las leyes físicas que organizan el mundo como los sistemas humanos que buscan regularlo.

El proyecto propone así una conversación entre escalas, disciplinas y sensibilidades, construyendo un espacio donde conviven el asombro, la resistencia, el juego y la sensualidad. La exposición se configura como un territorio abierto a la especulación y a la imaginación, donde se desdobla y expande la pregunta por aquello que intentamos conocer.

Inauguración

• Fecha: Jueves 20 de noviembre
• Hora: 6:00 p.m. – 9:00 p.m.
• Lugar: Plural Nodo Cultural — Calle 72A # 22-62

La exposición permanecerá abierta hasta el 27 de noviembre. Durante el evento estará disponible para la venta el libro Consideraciones accidentales sobre la burocracia, el tiempo y todo lo demás.

Eventos

El compositor y orquestador colombiano-canadiense Felipe Téllez, egresado del Pregrado en Música de la Universidad de los Andes, recibió el Premio Macondo 2025 a Mejor Música Original otorgado por la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas por su trabajo en Estimados Señores, ópera prima de la directora Patricia Castañeda. El reconocimiento destaca una trayectoria marcada por la hibridación entre lo acústico, lo electrónico y lo folclórico, así como por una sólida investigación sonora que define su práctica artística.

Téllez, quien ha desarrollado una carrera que abarca cine, televisión, videojuegos y música de concierto, ha sido también beneficiario de múltiples apoyos del Toronto Arts Council, Ontario Arts Council y Canada Council for the Arts. Su música ha acompañado largometrajes, estrenos en festivales como TIFF.

Un proceso creativo basado en el timbre y la investigación artística

La creación de la banda sonora de Estimados Señores, Téllez explica que el proceso inició con una sesión de spotting junto a la directora y el equipo de producción, donde se definieron los momentos musicales —y también los silencios— dentro del arco narrativo. A partir de este acuerdo inicial, la composición tomó la forma de una investigación artística centrada en la búsqueda de timbres capaces de representar con honestidad el mundo emocional de la película.

El compositor desarrolló una paleta que integró gaita, tiple y bandola, una orquesta de cuerdas y una capa de sintetizadores contemporáneos. Esta combinación no se utilizó como recurso folclorista, sino como vehículo de cercanía emocional. Para Téllez, la clave estuvo en “descubrir qué colores podían sostener la verdad emocional de la película sin convertirla en una postal regional”.

El trabajo con Patricia Castañeda y el equipo de posproducción de Blond Indian Pictures, se desarrolló en gran parte de manera remota, desde Canadá. La metodología consistió en componer bloques amplios —por actos o segmentos de veinte minutos— para evaluar la música dentro de un contexto narrativo más completo. Este proceso iterativo permitió construir una identidad sonora cohesionada y profundamente ligada al carácter de la película.

La formación en Uniandes: una base para integrar mundos sonoros

Felipe cuenta que su paso por el Pregrado en Música de la Universidad de los Andes fue decisivo para el desarrollo de su voz como compositor para cine. El doble énfasis en composición y producción de audio no solo le brindó herramientas técnicas robustas, sino que le permitió comprender la música desde dos frentes que, aunque a menudo se enseñan por separado, en su caso se integraron desde muy temprano. Esa combinación —el rigor de la escritura musical y el entendimiento profundo del estudio de grabación— se convirtió en la base de su enfoque creativo actual.

“El programa de composición me dio una base teórica sólida: entender cómo construir música, cómo manejar materiales, cómo desarrollar ideas”, explica. Sin embargo, señala que el aspecto más transformador surgió al aplicar ese mismo rigor académico al campo de la tecnología musical. “Empecé a ver el estudio no solo como un lugar donde se registra sonido, sino como un instrumento en sí mismo. Si para los compositores del pasado la orquesta era su ‘laboratorio de experimentación’, para quienes trabajamos hoy el ‘laboratorio contemporáneo’ incluye sintetizadores, procesamiento, edición y mezcla”.

Esa mirada integrada expandió su paleta sonora más allá de las familias instrumentales tradicionales, permitiéndole articular con naturalidad lo acústico, lo electrónico y lo tecnológico dentro de un mismo proyecto. Esta concepción se ve reflejada en Estimados Señores, donde la hibridación entre instrumentos folclóricos, orquesta de cuerdas y capas electrónicas responde tanto a una búsqueda estética como a un criterio formado durante sus años en Uniandes. “La hibridación entre lo folclórico y lo tecnológico que desarrollé no es nueva en sí misma, pero mi manera de abordarla sí está marcada por ese criterio desarrollado en mis años de formación, por profesores que fomentaban la curiosidad y por un ambiente donde era natural mezclar algo que es más ciencia con algo que es más arte”.

Destaca también la fortaleza de los cursos de teoría, armonía y entrenamiento auditivo en Uniandes, los cuales considera fundamentales para el desarrollo de criterio artístico. “En un mundo donde todos acceden a las mismas herramientas tecnológicas, lo que diferencia a un compositor no es el software, sino cómo piensa y cómo decide”, afirma.

En retrospectiva, destaca que lo más determinante fue haberse formado en un espacio que “tomaba la curiosidad en serio” y que alentaba a integrar mundos que en otros contextos permanecen separados. Esa integración, afirma, continúa siendo el fundamento de su práctica como compositor para cine, donde cada obra es un diálogo permanente entre tradición, tecnología, investigación artística y exploración sonora.

Consejos para nuevas generaciones de compositores de música para cine

La formación de un compositor de música para cine exige una mezcla de rigor técnico, sensibilidad estética y apertura intelectual. En esta reflexión se destacan cuatro aprendizajes esenciales.

En primer lugar, se resalta la necesidad de estudiar profundamente la orquesta, no como mandato estilístico sino como herramienta de criterio. “La música orquestal no es sinónimo de música de cine, y la música de cine no tiene por qué ser orquestal”. Una banda sonora debe responder a la identidad de la película, y aplicar un tratamiento orquestal por defecto puede ser contraproducente. Además, “producir una partitura orquestal es costoso”, una realidad que compositores, productores y directores jóvenes deben comprender desde el principio.

También se subraya la importancia del timbre como eje expresivo central. En el lenguaje audiovisual, el color sonoro puede tener un impacto emocional mayor que una línea melódica o armónica prominente. Una pieza construida con un criterio tímbrico sólido puede sostener por sí sola la carga afectiva de una escena.

El tercer aspecto esencial es ampliar el criterio mediante la escucha activa y diversa. “El mayor músculo del compositor es su criterio”. Por ello se recomienda explorar géneros desconocidos y estéticas fuera de la zona de confort, ya que esa amplitud alimenta la intuición creativa y permite tomar decisiones más informadas.

Finalmente, se subraya un principio transversal a toda práctica artística: cultivar la curiosidad. “Por encima de todo, la curiosidad es el motor”, un impulso que sostiene los procesos de exploración y abre caminos inesperados.

Un reconocimiento que impulsa nuevos caminos creativos

El Premio Macondo 2025 representa para Téllez un hito que reafirma su enfoque compositivo y que anticipa nuevos retos. “Este reconocimiento potencia de forma significativa mi voz artística. La expectativa es que abra oportunidades para seguir explorando y mantener viva la curiosidad y continuar atendiendo esa necesidad constante de crear.”, señala.

Mientras continúa componiendo para cine, videojuegos y música de concierto, Téllez también acompaña a compositoras y compositores emergentes en distintos países, consolidando una práctica que articula creación, docencia e investigación.

Nuestros egresados en Artecámara 2025: talento Uniandino en ARTBO | Feria

Nos complace anunciar la participación de varios egresados del Departamento de Arte de la Universidad de los Andes en Artecámara 2025, la sección de ARTBO | Feria dedicada a visibilizar el trabajo de artistas jóvenes y emergentes en Colombia.

Este año, entre los 21 artistas seleccionados a través de una convocatoria pública nacional, se encuentran siete egresados de nuestro Departamento, quienes presentarán sus propuestas del 25 al 28 de septiembre en Ágora Bogotá – Centro de Convenciones, como parte de la feria de arte más importante del país.

Los egresados seleccionados son:

• Beatriz Acevedo (Bogotá, 1998)

• Daniel Blanco Lozano (Bogotá, 1995) – egresado de Arte y Arquitectura

• Lina Santacruz Pulido (Bogotá, 2001)

• María Antonia Plata García (Bogotá, 2003)

• María Mercedes Gutiérrez (Bogotá, 1998)

• Sara Vera Largacha (Bogotá, 1995)

• Sebastián Gómez Vargas (Bucaramanga, 1995)

Desde el Departamento de Arte celebramos esta participación como una muestra del compromiso, la creatividad y la calidad de nuestros egresados, quienes continúan dejando huella en el panorama del arte contemporáneo nacional, tanto desde la creación como desde la curaduría y la gestión cultural.

¡Felicitaciones a todos y nos vemos en ARTBO 2025!

Charla informativa

Presentación de la beca y los programas

Presentación de la beca y los programas

Inscripciones

La obra Los Serafines de la Decadencia del artista y arquitecto Uniandino Nicolás Quevedo, será presentada en dos escenarios de París: en la Muisca Galerie, del 20 al 30 de septiembre de 2025, y en el Consulado de Colombia en París, del 2 al 20 de octubre.

La obra es una experiencia inmersiva que fusiona arte, diseño, moda y performance para abrir un diálogo sobre identidad, cuerpo, mente y espacio en un contexto global. La instalación propone un tránsito entre lucidez y autoengaño, invitando al espectador a reflexionar sobre el colapso social, ambiental y espiritual contemporáneo, así como sobre el deseo de habitar mundos ficticios en busca de placer y sentido.

Nicolás inició sus estudios en Arquitectura en 2015 y posteriormente hizo doble programa con Arte, formación que concluyó en 2021, en plena pandemia. Durante su paso por la Universidad de los Andes, encontró en el intercambio con profesores y compañeros un espacio para expandir su perspectiva creativa y explorar la relación entre disciplinas. Su tesis de grado, concebida como un ejercicio introspectivo en tiempos de confinamiento, dio origen a su primera obra, con la que participó en la Feria del Millón en Bogotá, Medellín y Barranquilla, logrando vender cincuenta piezas.

En Los Serafines de la Decadencia profundiza en la idea de “utopía dentro de una distopía”, retomando influencias del decadentismo europeo de finales del siglo XIX. La obra combina escenografía, vestuario diseñado a partir de planos arquitectónicos y performance, en una puesta en escena que revela la capacidad del artista de integrar herramientas de su formación en arquitectura y arte para producir experiencias complejas y estructuradas.

Presentar esta obra en París significa regresar al lugar de origen de muchas de sus influencias conceptuales.

“La carrera que estudié no solo me dio información académica, sino una forma de resolver problemas y estructurar proyectos. Arquitectura me enseñó a planear, diseñar y ejecutar cada detalle de la obra, mientras que el arte me dio las ideas, los recuerdos y las emociones para darle vida”, afirma.

TABOSE el medio de comunicación comunitario y alternativo creado por Tatiana Bonilla, egresada de la Maestría en Periodismo de la Universidad de los Andes, ha sido seleccionado como ganador de la Beca para medios comunitarios de LEO Radio otorgada por el Programa Distrital de Estímulos 2025 de la Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte.

Este reconocimiento permitirá fortalecer su trabajo en la creación de contenidos radiales con enfoque crítico y antirracista, abriendo espacio a nuevas narrativas que cuestionan las representaciones hegemónicas en los medios tradicionales.TABOSE emerge como una plataforma que busca cuidar la salud mental, fortalecer los derechos humanos y visibilizar procesos territoriales desde las voces, los sentires y las luchas de las comunidades.

En articulación con el Centro de Estudios en Periodismo – CEPER, TABOSE ha desarrollado dos Laboratorios de Medios y Narrativas Antirracistas, espacios de formación y experimentación que promueven la crítica de medios y la construcción de relatos alternativos desde y para comunidades históricamente marginadas.

“El trabajo que venimos haciendo busca que la comunicación comunitaria sea una herramienta para la transformación social y cultural. Con la beca, podremos amplificar las voces que por años han sido silenciadas en los grandes medios”, señala Tatiana Bonilla.

Para la Maestría en Periodismo este tipo de iniciativas demuestra que es posible articular academia, comunidad y medios de comunicación para promover el pensamiento crítico y la justicia social.

Vivir por y para el arte | Gandores de Bota 2024-2 

A través del documental, la fotografía y la curaduría artística, el proyecto Vivir por y para el arte retrata el poder transformador del arte en contextos de reclusión. El equipo —integrado por estudiantes del Departamento de Arte de la Universidad de los Andes— trabajó junto a la agrupación de rock Simbiontes, conformada por personas privadas de la libertad y funcionarios del INPEC en la Cárcel La Modelo de Bogotá.

«Este proyecto retrata el poder transformador del arte en contextos de reclusión.»

La propuesta surgió del deseo de mostrar que dentro de los centros penitenciarios también se construyen comunidad, afecto y esperanza a través del arte. Simbiontes, creada en 2022, es una familia musical que rompe las barreras entre reclusos y guardias. El proyecto documenta sus ensayos, sus procesos creativos y las relaciones humanas que han forjado, reivindicando el arte como un camino posible de transformación y reinserción.

Gracias al estímulo de la Convocatoria Bota, Vivir por y para el arte logró producir un corto documental de 12 minutos, una exposición fotográfica con 18 imágenes y un conversatorio con personas que han vivido o trabajado dentro del sistema penitenciario colombiano. La muestra se presentó entre el 14 y el 17 de mayo de 2025 en el pasillo expositivo del Edificio Lleras, con un evento de cierre el 16 de mayo.

«Vivir del arte no debería ser un privilegio, sino un camino posible para quienes sueñan, como Simbiontes, con llegar a una tarima como la de Rock al Parque.»

Además de generar piezas audiovisuales y curaduría, el equipo desarrolló una investigación previa sobre el arte en cárceles y sostuvo un estrecho diálogo con la agrupación Simbiontes durante todo el proceso. El resultado fue un trabajo sensible, colectivo y comprometido, que busca abrir nuevas miradas sobre la vida dentro de las cárceles y la potencia del arte como vehículo de encuentro y sanación.

Créditos del proyecto:
Guionistas: Alexander Pescador Nieto, Samuel Arias Fajardo, Matías Lozano Salazar, Shaiel Gastelbondo Restrepo
Fotografía y edición: Mariana Díaz Guerrero, Harley Porras, María José Monrroy
Producción y redes sociales: María José Monrroy, Mariana Díaz Guerrero
Curaduría: Equipo Vivir por y para el arte
Dirección y texto curatorial: Shaiel Gastelbondo
Edición de tráiler: Samuel Arias Fajardo
Edición documental: Matías Lozano Salazar
Grabación de video: Shaiel Gastelbondo, Alexander Pescador y archivo de Simbiontes

Invitados al conversatorio:
Diana Martínez “Shanty” (mánager de Simbiontes), Juan Pablo Uribe (exasesor del Ministerio de Justicia), Alexander Pescador (grupo de teatro Abrakadabra, La Modelo)

Agradecimientos especiales: A la Cárcel La Modelo de Bogotá, a los funcionarios del INPEC y a cada integrante de Simbiontes por su entrega y confianza.